Às Moscas

Promoção de Março: Audrey Hepburn - Coleção Rubi

2012-02-29T14:11:00.007-03:00

Atenção cinéfilos de plantão!!! O Às Moscas vai sorter a AUDREY HEPBURN - COLEÇÃO RUBI, com os filmes Bonequinha de Luxo, Sabrina e A Princesa e o Plebeu na edição simples. É uma maneira muito simples de aumentar a coleção de filmes sem o menor esforço. O sorteio será realizado no dia 31 de março.

Para participar é simples, basta curtir a fan page do ÀS MOSCAS e compartilhar a promoção no seu perfil. É preciso clicar no botão QUERO PARTICIPAR! Acesse a promoção clicando aqui !

A Invenção de Hugo Cabret

2012-02-25T18:07:00.001-02:00

Embora o cinema seja uma arte recente, inclusive com atestado de nascimento: 28 de dezembro de 1985, em Paris, quando os irmãos Lumière realizaram a primeira sessão pública do cinematógrafo no Grand Café, é impossível se contabilizar quantos filmes foram realizados desde então. O filme de estréia foi A Chegada do Trem na Estação, que consiste em um trem filmado na perspectiva lateral, causando a ilusão de ir ao encontro da platéia. Os desavisados saíram correndo, com medo de serem atingidos, mostrando como a sétima arte é capaz de manipular e iludir os espectadores. Passados mais de um século, a técnica mudou, mas a mágica de se compor a história e criar diferentes emoções continua a mesma, e Martin Scorsese sabe muito bem disso.

A Invenção de Hugo Cabret é o novo trabalho do cineasta e, sem dúvida alguma, é uma belíssima homenagem à história do cinema e de um dos seus pioneiros. É perceptível a paixão de Scorsese pela sétima arte, uma pena que desconsiderando esse fator, a história em questão é bastante boba e superficial. O filme é a primeira incursão do diretor pelo 3D, o que é brilhante, se levado em consideração como o próprio longa mostra os efeitos tridimensionais que o cinema já usava no na década de 1890.

Escrito por John Logan a partir do livro homônimo de Brian Selznick, o roteiro acompanha Hugo Cabret, um garoto órfão que vive em uma estação de trem de Paris nos anos 1930, mais especificamente dentro da torre do relógio. Ele rouba peças de uma loja de brinquedos para tentar consertar um autômato (uma espécie de robô), a única lembrança que restou de seu pai, um antigo relojoeiro. Hugo acredita que há uma mensagem para ele escondida no autômato e que, talvez, foram realmente as últimas palavras da pessoa mais importante de sua vida. Por meio das aberturas dos ponteiros do relógio, ele observa o meio que o cerca, seja o guarda prendendo as crianças de rua, o senhor se aproximando da senhora por quem está, os músicos tocando, a floristas arrumando a banca, e outros personagens que caracterizam o ambiente mais familiar que Hugo pode ter contato desde que ficou só.

Em um de seus furtos, Hugo é pego pelo dono da loja, um senhor que parece frio e, de alguma forma, distante de sua própria vida. Ele pega o caderno de anotações do garoto e se recusa a devolver. Hugo se aproxima da Isabelle, sobrinha daquele que parecia o vilão, e os dois embarcam em uma aventura para recuperar o caderno e descobrir os segredos do autômato. Mal sabem eles que segredos maiores seriam revelado, como o de que o dono da loja de brinquedos é George Meliès - esquecido diretor do icônico Viagem à Lua - então os dois tentam ajudá-lo a não se distanciar ainda mais do seu passado.

Talvez o grande erro de A Invenção de Hugo Cabret seja o de ter assumido a posição de filme infantil. Pela própria natureza do tema, torna-se claro que o público alvo é formado por pessoas realmente apaixonadas por cinema. Não são as crianças que vão realmente apreciar esta história e sim aqueles que se encantam com a arte que é o cinema e percebem as referências presentes. Além da homenagem a Méliès, Scorsese também retrata a necessidade da preservação e restauração dos filmes antigos. Uma pena que as distribuidoras não tenham entendido a mensagem sobre obras originais e tenham colocado muito mais cópias dubladas do que legendadas nas salas de cinema.

Scorsese se delicia ao recriar os bastidores de várias produções de Méliès, como Viagem à Lua, O Eclipse e O Melómano. E as homenagens continuam desde a cena inicial com o trem chegando à estação até Hugo pendurado no ponteiro do relógio ao se esconder do guarda. Mas infelizmente esse manifesto tão carinhoso ao cinema se torna vazio, em uma narrativa cansativa e sem surpresas. Na esperança de fisgar o público infantil os exageros desgastaram o roteiro. Cada coadjuvante ganha uma subtrama completamente desnecessária, delegando a eles a função de alívios cômicos, quando na verdade são apenas situações descartáveis e constrangedoras. Sem contar a obviedade de algumas cenas, imagino que pelo diretor julgar que as crianças necessitem de antecipações do que virá na sequência.

A Invenção de Hugo Cabret é, sem dúvida, o melhor filme a usar o 3D. Há grande entendimento do diretor em como trabalhar a técnica da profundidade sem distorcer detalhes. Com 11 indicações ao Oscar, o filme é um dos favoritos na categoria principal. Lembrando que assim como o filme de Scorsese, outros dois concorrentes a melhor filme também abordam a arte de uma forma nostálgica como Meia Noite em Paris e O Artista. Pode até, na minha opinião, estar longe de ser o melhor filme do ano, mas essas declarações de amor ao cinema são sempre bem vindas e merece ser prestigiadas.

A Separação

2012-02-23T23:18:00.000-02:00

A separação, que dá nome ao filme, está praticamente consumada – mesmo sendo evidente que o casal se ama. Tudo começa de forma quase banal, ela não quer permanecer no Irã para tentar promover uma melhor educação a sua filha de onze anos e ele não quer deixar seu lar, principalmente por causa de seu pai que sofre do mal de Alzheimer. Desse impasse, vem o impulso inicial da trama que esconde e desenrola dramas ainda mais profundos. Filme honesto, transita com habilidade por temas comuns a todos como crença, honestidade, amor, sensibilidade, dor, medo, responsabilidade e respeito sem, no entanto, se valer de artificialismos baratos para emocionar (ou tentar) o tempo todo. Pelo contrário, A Separação impressiona com sua desconcertante simplicidade, seja por meio do olhar do outro ou pelo próprio.

O panorama traçado por Asghar Farhadi explicita conflitos familiares sob preceitos morais e religiosos do Irã e inicia o filme com um desafio para o público: a cena simples do casal Nader e Simin explicando ao juiz o porquê da separação. O interessante é como a câmera se coloca, de frente para o casal, em uma subjetiva do juiz, ouvimos apenas a voz questionadora. Os dois olham diretamente para câmera dando seus argumentos. O espectador está na posição do juiz e é o dono do veredito.

A maioria dos filmes iranianos que consegue chegar ao Ocidente normalmente traz a temática da denúncia de um regime retrógrado e autoritário, como se a democracia ocidental fosse o que há de melhor no mundo, sem erros e censuras. A Separação não é um grito de indignação sobre determinada cultura, vai além do Irã e de sua sociedade reprimida. O filme fala do ser humano sem maniqueísmo e falso moralismo.

Com o casal efetivando o divórcio, Simin se muda para a casa da mãe e Nader continua a cuidar do pai e com sua filha Termeh morando junto. Sem a esposa ao lado, contrata os serviços de Razieh para cuidar do idoso. Extremamente religiosa, a empregada leva a filhinha pequena e trabalha escondida do marido desempregado. Mas contar o que acontece depois – envolvendo uma gravidez de risco, mentiras e um processo judicial, pode desgastar as emoções que o filme causa.

O mais fascinante de A Separação é jamais definir um vilão na história. Os personagens se tornam figuras extremamente verossímeis, sem tender a situações forçadas, por mais absurdas que possam parecer num primeiro momento. Mas nada funcionaria se o espectador não conhecesse cada indivíduo, com motivações, angustias, anseios e conflitos pessoais que permeiam as atitudes. É um trabalho ficcional, mas ao mesmo tempo é invariavelmente realista.

A Separação trata de uma história universal. Seus personagens são pessoas como nós, vivendo a rotina de seus dias e lutando pelos que amam e aquilo que acreditam. Com atuações poderosas e profundas de seu elenco, Farhadi faz o público pensar sobre fatores que transcendem a tela.

A Separação é daqueles filmes que conquistam o público. Mesmo em sua longa duração e ritmo lento, é impossível não se prender àquele drama familiar. A fotografia aguda e o teor investigativo de certas partes da trama colaboram para a riqueza da produção. É um filme impossível de ser visto passivamente, sem qualquer envolvimento.

Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres

2012-02-05T11:12:00.002-02:00

Remakes não costumam ser bem recebidos pelos cinéfilos. A falta de originalidade ao se utilizar de uma idéia já concebida por outro cineasta coloca em dúvida a criatividade de quem aceita refazê-la. Millenium – Os Homens que não Amavam as Mulheres, remake americano de um filme sueco de 2009 baseado em livro homônimo, levantou essa questão. A surpresa é que o longa de agora é dirigido por David Fincher, que não se contenta em refazer a fita sueca e se apropria do material criando uma identidade visual própria que se sustenta em um thriller de tirar o fôlego.

Roteirizado por Steven Zaillian, Millenium – os Homens que não Amavam as Mulheres tem início com a condenação do jornalista Mikael Blomkvist (Daniel Craig) por uma matéria escrita sem provas contra um magnata. Para não prejudicar a revista Millenium na qual trabalha, ele se afasta por um tempo e é contratado pelo milionário Henrik Vanger (Christopher Plummer) para investigar o desaparecimento de sua sobrinha Heriet, há mais de 40 anos. Envolto de segredos e com poucas pistas sobre o ocorrido, ele recorre à ajuda da hacker Lisbeth Salander (Rooney Mara), uma jovem problemática que está sob supervisão do Estado por conta de seu passado turbulento.

Mesmo sendo uma produção americana, decidiu-se manter a história situada na Suécia, o que é raríssimo numa obra hollywoodiana. Esse fator foi fundamental para estabelecer a narrativa, calcada também pelo clima e ambiente. Estocolmo é uma cidade gélida, bonita e sufocante. A fotografia branca criada por Jeff Cronenweth para transmitir frieza é claustrofóbica, parece não haver para onde fugir.

Desenvolvendo as histórias de Mikael e Lisbeth paralelamente, a montagem de Kirk Baxter e Angus Wall é bastante dinâmica, despertando curiosidade sobre esses personagens e auxiliando no clima de tensão criado por Fincher, que recupera para esse longa uma predileção antiga por temáticas mais violentas e sombrias. Confirma também o amadurecimento do cineasta que, exceto por O Curioso Caso de Benjamin Button, sempre prezou por narrativas intrigantes e racionais.

O quebra-cabeça se desenrola de forma envolvente, e os momentos cruciais da tramas de mistério são aqueles em que acompanhamos os protagonistas solucionando seus desafios e compreendemos o raciocínio lógico por trás de suas descobertas. E enquanto Lisbeth não entra na investigação, nós a vemos tratando de assuntos pessoais, como o abuso de seu novo tutor Bjurman, já que ela é diagnosticada como mentalmente incompetente para administrar sua vida. Lisbeth pode ser imprevisível e evidencia isso em atos bastante violentos contra as figuras que representam a dominação masculina, provando mais uma vez que o diretor consegue extrair o melhor da atriz.

Fincher se atenta à investigação, e o atropelo de acontecimentos do filme anterior não se repete. A investigação é detalhada e a personagem de Lisbeth é mais desenvolvida, mostrando o porquê de seu comportamento e a fragilidade física e emocional que se escondem por trás de roupas e atitudes que servem como mecanismos de defesa. Ela é durona e antissocial, mas fica claro que no fundo é vulnerável e solitária, mas que sabe se defender. Mesmo Craig estando muito bem, explorando a angústia e o orgulho de Mikael, tentando resolver situações preocupantes de sua vida, a personagem de Mara é o ponto alto, aliás, o filme é dela.

Rooney Mara, a protagonista de Millenium (!!!), é a mesma atriz que viveu a namorada cujo rompimento de uma relação impossível acarretou no ponto de partida de A Rede Social. Sua Lisbeth lembra um pouco a excentricidade de Marla Singer em Clube da Luta, mas é ainda mais extremo seu visual gótico, repleto de piercings e tatuagens, que beira o andrógino. Mara é brilhante na composição de sua personagem, agindo de forma sutil e conseguindo manifestar sentimentos não apenas pela fragilidade que representa pelo seu porte físico, mas também pela maneira com que encara as pessoas. Ela evita olhar diretamente para o rosto dos interlocutores e não quer chamar a mínima atenção, é como se toda a caracterização escondessem seu rosto, sua personalidade, e a aprisionassem nessa aparência.

Ainda que a trama demore a ser encerrada, o clímax de quando se desvenda o criminoso é impecável. E essa demora não prejudica a narrativa, mas intensifica a segurança do diretor tanto no roteiro quanto nos personagens. Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres é um filme inteligente, cativante e realmente superior ao sueco.

PROMOÇÃO CISNE NEGRO

2012-02-03T17:14:00.005-02:00

Se você também é fã de cinema, não deixe de participar da nossa promoção. O Às Moscas vai sorter um dvd de Cisne Negro, filme que rendeu o Oscar de melhor atriz à Natalie Portman em 2011. É uma maneira muito simples de aumentar a coleção de filmes sem o menor esforço. O sorteio será realizado no dia 26, data de cerimônia do Oscar desse ano.

Para participar é simples, basta curtir a fan page do ÀS MOSCAS, compartilhar a promoção no seu perfil e seguir o blog pelo google fried connect. Mas o link so sorteio é esse abaixo. É preciso clicar para autorizar! ;)

LINK PARA PARTICIPAR: http://www.facebook.com/Asmoscas?sk=app_154246121296652

Atenção:

- Iremos sortear um(a) ganhador(a);
- Promoção válida em território nacional.

Drive

2012-01-30T19:58:00.005-02:00

Há liberdade para os filmes de hoje revisitarem o passado. E é isso que Drive faz sem perder a própria identidade. Com ar policial da década de 80, há uma homenagem a outros longas e personagens estereotipados, mas que conseguem sair do clichê e se transformar em trabalho criativo. Utiliza-se de um dublê como protagonista, um mafioso como vilão e uma garçonete como mocinha, em um mise em scène que seria facilmente reconhecido se não estivéssemos falando da obra do diretor Nicolas Winding Refn, que está renovando as interpretações sobre o cinema de ação.

Em Drive, Ryan Gosling (Namorados para Sempre) é dublê de filmes, mecânico e também se destaca como um ás do volante, trabalhando como motorista freelancer em eventos criminosos. É dono de mais uma característica que reforça a homenagem a outros filmes, já que seu personagem, conhecido apenas como Driver, sempre aparece com um palito na boca, como a palha mastigada por diversos homens másculos e silenciosos, que evitam ao máximo expor sentimentos. É o caso de John Wayne em diversos filmes, por exemplo.

Driver é introspectivo, um típico solitário urbano que se transforma por conta das ações decorrentes. Há um distanciamento social do protagonista com tudo que está ao redor. Percebemos a falta de expressão daquele homem diante da vida, mas que por vezes diz tudo o que sente apenas com o olhar. E nós o entendemos. É apenas alguém querendo sobreviver em meio à grandiosa cidade, que não dorme. Está em constante inquietação.

O filme tem em seu protagonista um homem sem nome. Sua vida segue na normalidade até que conhece Irene, sua vizinha (Carey Mulligan). Eles se aproximam, mas logo o marido dela sai da cadeia e volta para junto da esposa e do filho. Na condição de devedor de criminosos, ele é obrigado a realizar um último assalto e Driver se propõe a ajudá-lo para que nada aconteça à Irene e ao filho. Mas algo dá errado e os bandidos querem o dinheiro a todo custo, não importa se o sangue de alguém precise ser derramado.

A curiosidade em torno do protagonista é bem trabalhada e garante o bom desenvolvimento do filme. A emoção que o personagem sente a necessidade de demonstrar é convertida em violência que chega até a ser assustadora. Mas esses momentos não são gratuitos apenas pela boa estética da história. As escolhas são geradas a partir dessas ações, e todas elas recaem sobre o personagem principal. É a proposta visual que permeia o cinema de Refn.

A emoção interiorizada não pertence exclusivamente ao Driver, Irene também é contida. Ela não se permite explosões se sentimentos. Talvez sua emoção mais intensa também seja aquela transformada em violência, no tapa em que acerta o rosto do protagonista. Nem mesmo em uma cena chocante de brutalidade, ela se desespera. A atriz está realmente muito bem no papel dessa frágil mulher forte, com todas as contradições presentes na definição.

Gosling está em um de seus melhores trabalhos, se não o melhor. A impulsividade do personagem e o sentimento de solidão de alguém quase incapaz de se comunicar são claros a cada cena. O desejo pela amada e a impossibilidade de tê-la são angustiantes, talvez mais para o espectador do que para os próprios personagens, mas apenas com um trabalho brilhantes nos despertaria tantas emoções diferentes.

A direção consegue fugir dos clichês, não é a toa que ganhou o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes do ano passado. O olhar romantizado mesmo nas cenas mais violentas é uma prova de que Refn não esgota o conteúdo e nem a forma. Ele usa ângulos e movimentos de câmeras que causam ansiedade e agonia pela forma com que cada cena se aproxima e se distancia, à medida que vamos conhecendo os personagens.

A trilha sonora de Angelo Badalamenti é brilhante. Tanto a parte incidental quanto a eletrônica invade a cena a ajudam a construir um ambiente de tensão, mesmo quando essa não se apresente de forma explícita. Funciona como mais um dispositivo da ação embalando os personagens perdidos em uma selva de pedras sufocante, no qual você é apenas mais um e impera a lei do mais forte. Mais uma prova de que Drive não é supérfluo e foge das convenções desse cinema pobre do gênero ação.

Martha Marcy May Marlene

2012-01-27T19:05:00.003-02:00

Depois de Martha Marcy May Marlene a caçula do clã Olsen deixará de ser lembrada apenas como a irmã das gêmeas Mary Kate e Ashley. Elizabeth Olsen se revela a mais talentosa da família e começa a carreira no cinema de forma bastante promissora, em uma atuação assustadoramente bem construída e surpreendente. Diferente das comédias sem conteúdo que víamos suas irmãs protagonizarem por anos na sessão da tarde, Elizabeth nos é apresentada em um drama inquietante.

“Você tem cara de Marcy May” é a frase que dá início a desconstrução de Martha. A jovem nunca foi segura de si e sempre se sentiu abandonada. Primeiro pelo pai e depois pela irmã mais velha que a deixou com a tia quando entrou para a Universidade. O homem que verbalizou essas palavras é Patrick, líder de uma seita, não de cunho religioso, mas sim filosófico. Inserida no grupo, Martha, agora Marcy May, também passa a responder como Marlene, assim como todas as outras mulheres quando questionadas por estranhos.

O filme começa com Martha fugindo do culto e ligando para a irmã que não via há dois anos. Por ter atravessado um longo período de isolamento, alienação e agressões físicas e emocionais, ela tem muita dificuldade para tentar se readaptar a sociedade “normal” e choca a irmã e o cunhado com alguns dos hábitos que eram absolutamente aceitáveis pelos seguidores de Patrick. O líder tem uma postura machista e violenta, mas tenta remediá-las com belas palavras.

Na casa da irmã Lucy e do cunhado, Martha passa a revelar sua fragilidade emocional e o comportamento paranóico, com medo de ser descoberta por aqueles que a conheceram como Marcy May e Marlene. As lembranças apresentadas por flashbacks é que nos fazem compreender o porquê do medo e o que realmente aconteceu naquele lugar que deveria ser acolhedor, e de acordo com Patrick, um mundo muito melhor do que aquele com regras e convenções sociais.

Os flashbacks nem sempre são claros. O espectador pode ter dificuldade em se situar, mas é exatamente o que Martha sente quando questiona a irmã se o que está vivendo é o presente ou uma lembrança. Servem para ajustar a percepção de quem também está descobrindo juntamente com a protagonista todas as experiências vivenciadas na seita. Aos poucos se torna claro que Patrick consegue enxergar a fragilidade das mulheres e por ser carismático e ter uma excelente oratória as convence a se tornarem membros, mas que no fundo é apenas uma maneira de torná-las submissas, conseguindo trabalho escravo e as estuprando sob a desculpa de ser um ato de purificação. Elas perdem seus nomes e precisam até mesmo roubar e participar de orgias, mas o que realmente assusta, é que entraram no grupo por vontade própria.

John Hawkes interpreta Patrick de maneira fantástica. Utiliza-se do charme para conquistar as mulheres fazendo juras e prometendo uma vida melhor. Mal sabem elas que esse caminho não tem volta, a não ser a loucura, miséria ou morte. Sua filosofia é a do abuso e seus métodos são ameaçadores. O carisma é uma máscara que acoberta a manipulação e a sua arma é a ilusão que consegue causar nas pessoas.

A direção de Sean Durkin foge dos clichês usando muito o silêncio para mostrar o grito de terror da personagem. A realidade a beira de não ser reconhecível nos envolve em um jogo repleto de memórias que se confundem, mas que não tiram o tom e a compreensão da narrativa muito bem apresentada. É uma trama que dá a sensação de estar repleta de espelhos que ora olhamos de fora e ora de dentro, repleta de incertezas. Durkin não exagera ao retratar o declínio de Martha, pelo contrário, é real a ponto de pulsar na tela. Não é a toa que levou o prêmio de direção no Festival de Sundance do ano passado.

Martha Marcy May Marlene merece atenção por não ser um melodrama. É assustador pela veracidade da temática e pelo cuidado de detalhes. Olsen se sobressai com personagem de mente danificada e confusa e, mesmo não tendo nenhuma experiência como atriz, é dona de uma interpretação fenomenal. As premiações recentes não terem se rendido a ela ao menos com uma indicação foi bastante injusto.

O final pode decepcionar algumas pessoas pela ambiguidade, mas quem realmente se envolveu com as nuances de uma vida perturbada que se confunde, não vai considerar sem sentido. O filme realmente termina reforçando a realidade de todas elas seja Martha, Marcy May ou Marlene.

Histórias Cruzadas

2012-01-23T17:55:00.002-02:00

Que o preconceito racial é uma questão sempre marcada pela Academia nas indicações ao Oscar é fato. E Histórias Cruzadas é feito na medida para tentar abocanhar grande número de estatuetas, já que apela às questões sociais e tenta emocionar o espectador a todo custo. É a receita certa do sucesso, ainda mais contando com elenco estelar. Mas isso não significa que tenha méritos para tanto, sendo uma produção tão maniqueísta.

Baseado no livro homônimo de Kathryn Stockett, Histórias Cruzadas se passa no Mississipi da década de 1960, época em que o racismo imperava na sociedade norte-americana. E cultivando o sonho de ser escritora, a jornalista recém formada Eugenia Skeeter é diferente das mulheres de sua faixa etária, que são vazias, fúteis e egocêntricas. Ela possui outras perspectivas, e não a de ser dona de casa dependente do marido, o que a faz se dedicar a um projeto condenável pela alta sociedade: o de dar voz às empregadas negras sobre as histórias de “servidão” nas casas das patroas. Apenas duas daquelas mulheres, praticamente invisíveis aos olhos dos patrões, aceitam contar seu ponto de vista, são elas Aibileen e Minny.

O filme é repleto de clichês sobre como os brancos são malvados e os negros bonzinhos, construindo personagens que não têm nuances, são tão maquiavélicos quanto à bruxa dos contos de fadas ou são pseudo-mártires que resgatam as vítimas de uma condição extremamente sofrida, e ainda há os que são oprimidos e precisam ser salvos. É inegável que a intolerância racial perdurou durante muito tempo, aliás, que é viva até hoje, tendo em vista a quantidade de pessoas que encaram as outras como inferiores apenas pela cor da pele. Infelizmente o filme ameniza esse tema, mesmo apresentando situações condenáveis como a em que a patroa obriga a empregada a utilizar o sanitário fora da casa por ter medo de que seja transmitida uma doença contagiosa. Quando essa faz uso do banheiro dos patrões porque está chovendo forte, ela é demitida aos gritos.

Os estereótipos criados enfraquecem a narrativa, tornando-a artificial principalmente pelas subtramas desnecessárias que variam do alívio cômico ao drama a La Maria do Bairro em tentativas forçadas de emocionar. A superficialidade entra pela porta e a sutiliza se joga da janela em um filme que tinha grande potencial, mas sucumbiu à pretensão de querer reunir todas as características possíveis para se dar bem em premiações.

Mas será que o filme não se propõe a mostrar o quão o preconceito pode ser risível ao invés de mostrar o quão oprimidos são os negros e desumanos os brancos? A resposta é não, justamente por não haver uma narrativa segura sobre o que o filme de fato quer ser. Tenta transitar pelas duas possibilidades e não explora nenhuma. A premissa era a condição de vida das domésticas, mas perdeu muito tempo investindo nas “dondocas” brancas que não conseguiram personificar em nada o preconceito, além de se mostrarem histéricas e inúteis.

O diretor Tate Taylor também escreveu o roteiro, mostrando que errou a mão duas vezes em um mesmo filme. Nem mesmo as novelas do SBT conseguem em pouco mais de duas horas nos apresentar personagem com câncer, aborto, racismo, filha renegando mãe, solidão e violência doméstica, aliados a cena de crianças chorando na janela enquanto alguém vai embora e de uma mulher sendo aplaudida por todos enquanto se emociona por ter sido precursora de algo. É de tirar o chapéu o tanto de referências do cineasta, pena ninguém ter dito a ele que não precisa tentar mostrar competência ao reunir todas em um único filme.

O grande ponto positivo foi o elenco... ou parte dele . Viola Davis está em uma performance excepcional interpretando Aibileen, construindo sua personagem por meio da sensibilidade, intensificado a cada olhar, gesto, respiração. A dor carregada por ela é quase palpável, tamanha densidade. A atriz merece, sem dúvida nenhuma, o reconhecimento pelo trabalho, já que carrega o filme nas costas. Jéssica Chastain também está muito bem como a divertida e ao mesmo tempo sofredora Celia, uma mulher branca e rica que não é aceita pelo grupo das “socialites” porque a mais popular delas tem motivos pessoais e convence as demais a não convidá-la para nada. Celia não se acha superiora aos negros, na verdade se aproxima muito de Minny, que acaba sendo sua única amiga. Por falar em Minny, a atriz Octavia Spencer está caricatural, sem conseguir dosar seus momentos cômicos e dramáticos. Não emociona e não ganha peso na história, apesar de aparecer em grande parte dela.

Tecnicamente falando, Histórias Cruzadas recria a época de maneira admirável. Sob o comando do designer de produção Mark Ricker e a figurinista Sharen Davis, o visual “sessentista” é bastante vivo nas cores, penteados e, principalmente, nas casas que se contrastam entre a realidade rica e gelada, e a pobre e agradável. Mas ainda assim, é mais uma maneira de reforçar o maniqueísmo que reina durante toda a produção.

O Deus da Carnificina

2012-01-10T15:30:00.002-02:00

O Deus da Carnificina é a adaptação da peça teatral Le Dieu du Carnage, de Yasmina Reza. Adaptada pela mesma, o roteiro é extremamente fiel ao original e toda a execução se concentra em um apartamento, tendo o desenrolar focado nos diálogos. Dirigido por Roman Polanski a obra une o que as duas artes – cinema e teatro – têm de melhor, permitindo que os personagens se desenvolvam de forma natural, universalizando todos os problemas retratados e os aproximando dos espectadores por meio de tomadas que captam cada gesto e trejeitos dos quatro atores que estão presentes em praticamente todas as cenas.

O filme passa pelo exagero desmedido de determinadas situações, mas Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet e Christoph Waltz discutem e espezinham-se de forma realista, desprezível... humana. O roteiro nos apresenta a dois casais que se reúnem para resolver uma briga envolvendo os filhos. Um deles quebrou o dente do outro com um galho na praça, e é preciso entrar num acordo sobre a melhor atitude a ser tomada. Como adultos maduros isso seria fácil de resolver, não fosse a fachada social construída por cada um deles que chega a ruína, tirando-os do mais absoluto controle aparente.

Penélope e Michael (Foster e Reilly) estão dispostos a não causar (mais) furor se os pais dos agressores se mostrarem pesarosos com o ato de seu filho e o fizerem se desculpar. Nancy e Alan (Winslet e Waltz) são cordiais e mostram seu civismo, prontificando-se a resolver tudo, inclusive a pagar as contas médicas. Quando tudo parece estar resolvido o ambiente parece ter se tornado asfixiante e tenso o suficiente para a conversa amistosa se transformar em uma discussão interminável sobre todas as angustias escondidas. O conflito não se dá apenas entre os dois casais, mas também entre marido e mulher. Cada um começa aos poucos a revelar sentimentos e opiniões agressivas que estavam sendo carregadas como pesos durante um bom tempo.

Roman Polanski é um cineasta seguro e sofisticado, que dirige com muita confiança esse espetáculo da comédia, rendendo boas risadas com um humor negro peculiar e atuações excepcionais de um elenco renomado. Os enquadramentos são muito bem pensados e marcam os duelos a cada discussão, hora entre casais, hora entre marido e mulher, hora entre mulheres e homens. Polanski é capaz de despir os personagens da hipocrisia que usam como máscaras. Ele mostra o ser humano com todos os defeitos, levando para a telona a verdadeira natureza humana.

As atuações são incríveis, principalmente pelo lado feminino. Não é a toa que ambas as atrizes concorrem ao Globo de Ouro. Todas as lições de moral pregadas no começo caem por terra quando os quatro sofrem um colapso emocional que os torna completamente verborrágicos. A dinâmica entre eles é fantástica e as explosões cômicas ao discordarem de fatos banais são muito bem expressas por semblantes e trejeitos. Jodie Foster parece que vai explodir quando sente raiva ou se acha contrariada e é, talvez, o maior destaque. Mas todos têm espaço para brilhar mais do que suficiente em um filme que tem pouco mais de 80 minutos.

Infelizmente o final não é tão satisfatório. Termina abruptamente e sofre uma queda no arco dramático. Não há de fato um grande confronto a ser resolvido, são mais constatações sobre cada um, mas mesmo assim poderia ter se desenrolado por mais alguns minutos mantendo o alto nível de desenvolvimento. O Deus da Carnificina é um ensaio honesto sobre comportamentos e, com certeza, vai ser uma das grandes revelações do ano, mesmo que não seja sucesso na bilheteria.

Tudo pelo poder

2012-01-08T15:57:00.000-02:00

Paralelo a carreira de ator, George Clooney se mostra como um diretor cada vez mais seguro. Tudo pelo poder é seu quarto longa por trás das câmeras, no qual reafirma seu engajamento político em uma narrativa bastante consistente sobre os vícios do poder. Seus três filmes anteriores serviram como experimentações visuais em gêneros distintos que colaboraram para sustentar esse retrato de cineasta maduro que tem superado expectativas.

Tudo pelo poder conta a história de Stephen Meyers, um dos chefes de campanha do governador Mike Morris – interpretado pelo próprio Clooney -, concorrendo nas prévias à presidência americana pelo partido Democrata. Meyers é um jovem motivado pela fé em seu trabalho e também na integridade do candidato para o qual trabalha. Mas contrastando com seus ideais, a realidade traz o peso de tomar decisões nem sempre éticas, mas que resultam no sucesso político. Mostra o ídolo corrompido diante dos olhos, em um joguete político que em determinado momento se torna maior que o próprio caráter.

Baseado na peça Farragut North, de Beau Willimon, o roteiro é escrito pelo próprio autor, juntamente com Clooney e Grant Heslov (que já havia escrito “Boa Noite e Boa Sorte” com o diretor). A alusão a Barack Obama é evidente tanto nos cartazes da campanha fictícia que são bastante parecidos com os divulgados pelo até então candidato à presidência americana, quanto ao pôster do filme que simula a capa da revista Time que estampou o rosto de Obama, além da postura carismática do personagem e dos discursos que na realidade se tornaram utópicos, mas que ajudaram a eleger o atual presidente, como foi a promessa de retirar as tropas americanas do Iraque.

O roteiro é sólido e sabe exatamente aonde quer chegar desde o primeiro instante. O filme é desenhado com segurança em dois momentos, inicial e final, que mostram como a realidade vil dos bastidores políticos não tem um fim, é um ciclo vicioso que traz o poder como a droga letal. Os comportamentos são moldados sob o lema de “o fim justifica os meios” e a crença na inovação política se distancia cada vez mais da realidade, nos mostrando um cenário de hipocrisia, chantagem e mentiras que se perpetuam na escalada do sucesso.

O elenco está afiadíssimo em performances competentes de um time de atores sensacional. Ryan Gosling como Meyers consegue o tom do jovem ingênuo e idealista que aprende na marra como lidar com os mais venenosos do covil, que não hesitam em acabar com seus sonhos e com tudo o que construiu na vida. O filme ainda traz Marisa Tomei como uma jornalista que não tem limite para conseguir um furo de reportagem, Paul Giamatti que em um papel menor como chefe da campanha concorrente consegue espaço para mostrar competência e se firmar como um dos grandes gigantes da atuação, mesmo nem sempre tão valorizado, e Philip Seymour Hoffman como coordenador chefe de Meyers, que consegue duelar com Giamatti e também transforma seu “pouco espaço” em algo memorável. São personagens extremamente completos e bem construídos que podem se dar ao luxo de ser contidos, sem precisar exagerar no tom para serem apreciados.

Com esse ótimo elenco, Clooney não parece ter tido trabalho para tirar de cada um a melhor atuação possível. Ele só deixa cada ator fazer seu trabalho e tudo sai de forma espetacular, aliado a direção que parece prezar pelo incômodo e se aproxima de tal forma dos personagens que exacerba cada detalhe. Em diversos momentos também os acompanha pelas costas, como se quisesse nos mostrar realmente os bastidores de todo o circo político como se estivéssemos em meio àquelas situações, e não sendo meros espectadores.

Tudo pelo poder é um trhiller cínico sobre política, que esmaga vidas mesmo não tendo sangue nas mãos. É um cenário onde a verdade é relativa, dependendo da posição social, credibilidade e estratégia. Aborda a decadência e a corrupção de ideais, é a perda de integridade por um simples blefe. Meyers diz em dado momento que a política é sua vida, mas e quando tudo pelo que se vive é apenas um jogo de aparências?

Um dia

2012-01-05T19:47:00.003-02:00

Um Dia aborda uma relação que muda ao longo de duas décadas. O título pode sugerir que todo o desfecho se dê em 24h, mas ao contrário disso, demonstra que determinados acontecimentos tomam rumos imprevisíveis e podem recomeçar um dia. Não é uma premissa original, Harry e Sally e Tudo Bem no Ano que Vem também mostram casais através dos anos, mas neste caso, os encontros são realizados pontualmente no dia 15 de julho, de 1988 até o presente. Nessa data nos são apresentados determinados instantes que tornam o restante daquele ano mais compreensível. De alguma forma, molda a existência de cada um deles.

Na trama, Dexter Mayhew e Emma Morley se conhecem no dia da formatura, mas no dia seguinte cada um deve seguir sua vida atrás de sonhos e perspectivas que em nada se parecem. Passaram apenas uma noite juntos, sem envolvimento sexual, e à medida que o tempo passa, não param de pensar um no outro. Trocam cartas e telefonemas e seguem suas vidas isoladamente, distantes do futuro que imaginaram. A distancia física não os desvencilha das lembranças e do sentimento que aquela primeira noite gerou, tornando a relação de amizade verdadeira, já que qualquer passo a mais poderia estragar tudo. A cada encontro eles choram, riem, brigam, conversam sobre sonhos e olham para dentro de si.

As datas são marcadas por meio de letreiros que interagem com o ambiente e também com músicas e acontecimentos que possam situar o espectador. As trilhas de Fatboy Slim e Elvis Costello, assim como o lançamento de Jurassick Park (erroneamente, diga-se de passagem), marcam alguns desses momentos. Essas marcas constroem o tempo, e o filme trata justamente disso, em como ele transforma e ensina, mostrando o quanto da vida pode ser desperdiçado sem sequer nos darmos conta. O tempo é impiedoso e pode acabar com sonhos de forma silenciosa, como em uma frase Emma descreve o restaurante em que trabalha: “Um cemitério de ambições”, já que sonhava em ser escritora.

O roteiro foi adaptado por David Nicholls, mesmo autor do livro homônimo, e dirigido por Lone Scherfig. A direção é bastante delicada e se aproxima do público para que seja possível uma eventual identificação com algum momento da história, e assim como fez em Educação, Scherfig ganha também um púbico mais maduro que automaticamente pensa no que faria de diferente em uma oportunidade que deixou passar, em um tempo que já se foi. A fotografia auxilia muito na construção da vida dos protagonistas ao longo dos anos. Utilizando-se de tons frios, cria uma aura triste e vazia, como se a vida estivesse no piloto automático.

A construção de Dexter e Emma é muito bem feita. Ele é um bon vivant que não se preocupa muito com um futuro promissor, mas atinge o sucesso profissional antes dela. O tempo passa e Emma vai alcançando seus objetivos e aprendendo com tudo o que viveu, enquanto Dexter não consegue sustentar a sua carreira e como sua própria mãe diz, um dia ele vai ser um bom homem, mas ainda não chegou lá. Fica também a cargo de uma excelente maquiagem o auxilio para o desenvolvimento dos personagens. Emma é sofrida enquanto trabalha no restaurante e quando começa a se realizar, a aparência se torna mais jovial, mesmo com as marcas de expressão que o tempo se encarrega de deixar. A transformação de Dexter é ainda mais aparente e o rosto liso e vivaz dá vez a um homem de meia idade com cabelos grisalhos e rugas mais acentuadas.

Dexter e Emma demoram muito tempo para perceber que aquele sentimento não era apenas de amizade. Na verdade, o percebem antes, mas não querem estragar tudo o que já têm. Os dois são contidos, e rompantes românticos não acontecem entre o casal que solidificou a relação como amigos e não amantes. O dito nem sempre é o que se quer ouvir, e o que cabe nesse momento é seguir em frente até que não seja mais possível fugir do sentimento.

Interpretados por Anne Hathaway e Jim Sturgess, Dexter e Emma são, acima de tudo, carismáticos. Hora você os ama, hora odeia, sempre provocam algum tipo de sentimento. Sem arroubos dramáticos e disfarçando sentimentos, eles dão o tom aos personagens. São pessoas comuns que deixaram a oportunidade de serem felizes pelos mais variados motivos, mas que ainda estão vivas e podem mudar a direção.

O filme fala sobre desejos, sonhos e fracassos, com dilemas sinceros que cada um enfrenta em determinada fase da vida. Infelizmente o desenrolar não está à altura do desenvolvimento e se torna previsível e clichê, enfraquecendo a narrativa. No entanto, Um Dia não é concebido meramente em uma formula que já deu certo anteriormente. Pode até utilizar o “mais do mesmo”, mas consegue ser original na forma com que é construído, e ser extremamente cativante. Poderia ser um filme banal, mas consegue se superar em praticamente todos os sentidos.

Precisamos falar sobre o Kevin

2012-01-04T19:55:00.002-02:00

Precisamos falar sobre o Kevin é um relato angustiante sobre o relacionamento entre mãe e filho que culmina em um massacre. Baseado no livro homônimo de Lionel Shriver, o filme conta a história ficcional de Eva Khatchadourian e seu filho, Kevin. Sempre sob perspectiva da mãe, o longa inicia revelando uma multidão de pessoas em meio a um líquido vermelho, que parece uma pintura aterrorizante de corpos sujos de sangue. Na verdade, é Eva na festa espanhola chamada Tomatina, quando tomates são arremessados nas pessoas. Mostra uma vida de liberdade antes da nada sonhada vida de mãe, mas que já remete metaforicamente a uma mulher marcada pelo sangue.

Precisamos falar sobre o Kevin é a volta de Lynne Ramsay à direção após hiato de nove anos desde Morvern Callar. Dona de uma direção eficiente, Ramsay estabelece alternâncias bastante dinâmicas e fluidas entre as temporalidades. Mostra Eva desde a gestação até o desdobramento pós-tragédia. O roteiro nos apresenta uma mulher amargurada e deprimida, que deixou sonhos promissores em detrimento da família. O espectador consegue ver a sensação de impotência da protagonista no passado, e percebe que se atenua cada vez mais sob os olhares vazios de uma mulher que não mais vive, apenas sobrevive. Sozinha, ela é vítima de agressões verbais e físicas, sua casa e carro são constantemente sujos com tinta vermelha, e o porquê de ter chegado a essa situação é o que quem assiste se pergunta.

Desde pequeno Kevin não consegue interagir com a mãe. Será que sempre sentiu certa rejeição por parte daquela com a qual os laços deveriam ser os mais estreitos ou já era uma postura nata que nada tem a ver com uma gravidez querida ou não? Quais são os culpados pela relação conflituosa e a postura hostil do menino? A frustração da mãe se contrapõe a alegria do pai, que sempre desejou o filho e não entendia as reclamações de Eva sobre a postura de Kevin. Ela é a única capaz de enxergar o filho como ele realmente é. Talvez num reconhecimento de si, já que também não é tão boazinha assim e comete grandes erros.

Torna-se óbvio que diante de tantas provocações e conflitos que a eminência não era positiva, mas o desfecho dessa relação atinge um grau mais angustiante e perturbador do que se espera. Aos leitores do livro, não é impactante, mas muito bem construído. A quem não se familiarizava com a história, o choque é a palavra de ordem.

As atuações dão o tom e o transtorno necessário aos personagens. O frio parece sair da tela e ir direto para o estômago de quem assiste, causando inquietação e incômodo. Tilda Swinton interpreta Eva, e mostra mais uma vez a competência e as escolhas certeiras. Não é uma atriz acomodada num lugar comum, aliás, comum não define nem mesmo sua aparência. Consegue dar vida a uma imponente Rainha Branca, mas também consegue ser contida e silenciosa mesmo gritando por dentro, em sua Eva. É uma atriz que provoca emoções a partir de emoções e não de atuações mecânicas e falas decoradas.

Também é preciso destacar os atores que interpretam Kevin. Dos 6 aos 8 anos fica a cargo do excelente Jasper Newell, que consegue mostrar o perfil de uma criança com traços de psicopatia e se distanciar dos mimados e birrentos por natureza. Já Ezra Miller o interpreta na adolescência e consegue ser assustador. O olhar dos dois atores parece o mesmo. É impressionante como os dois atores conseguiram transmitir os sentimentos de Kevin – ou a falta deles. Miller é, sem dúvida, uma das melhores revelações do ano.

Precisamos falar sobre o Kevin não se reduz a um filme de psicopata. Longe disso. Mostra a percepção de uma mãe na formação de um filho sem emoções. Alguém frio e calculista que é um lobo em pele de cordeiro. Mostra a história de uma mãe que carrega amor, dor e culpa por ser o ponto de partida de uma tragédia que ela sempre soube que aconteceria.

Melhores filmes de 2011

2011-12-22T20:05:00.003-02:00

Fazer lista de melhores filmes do ano é sempre algo que me desgasta. Mas não pude deixar de perder algumas horas pensando em quais mereciam estar aqui a meu ver. Mais difícil ainda é fazer uma rápida sinopse sobre cada um, já que sou um tanto quanto prolixa. Esses são os filmes escolhidos de 2011, ano em que não tivemos um grande leque de bons filmes nas telonas – ao menos da minha cidade, Maringá. Mas damos um jeito pra tudo, não é mesmo?

12 – Não me abandone jamais, Mark Romanek

Filme belíssimo que questiona o propósito da vida, mas não se reduz a isso. Em 1952, desenvolveu-se a cura para todas as doenças. E em 1967 a expectativa de vida é de 100 anos. Chegaram a esse resultado por meio da doação de órgãos de clones humanos, dentre eles estão Kathy, Tommy e Ruth, criados em uma escola isolada para que não fossem expostos a nenhuma doença, doando assim órgãos saudáveis. Mas como seria encarar a existência sabendo da brevidade de sua vida?

11 – Meia noite em Paris, de Woody Allen

Woody Allen nos apresenta uma Paris mistica, mostrando os grandes artistas que viveram naquele cenário no início do século, como mo Cole Porter, Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Pablo Picasso e Salvador Dalí. É uma viagem à idealização do protagonista que acredita no passado como sendo muito melhor do que o presente. Será que a grama do vizinho é sempre mais bonita mesmo? E se tivéssemos vivido em outra época tudo seria melhor?

10 – Cópia Fiel, de Abbas Kiarostami

Protagonizado por Juliette Binoche, o filme mostra uma mulher em busca de um escritor que aborda a validade das obras artísticas na Itália. Esse escritor argumenta que a qualidade de uma obra de arte depende do contexto e está nos olhos de quem a vê, ou seja, uma falsificação pode, sim, ter a mesma validade da produção original. Esses dois personagens ao se encontrar são confundidos como marido e mulher e assumem esses papéis. Passam a fingir que estão casados há quase 10 anos e discutem sobre a vida.

9 – O Garoto da bicicleta, de Jean-Luc e Pierre Dardenne

A rejeição é uma dor difícil de lidar, já que vem de alguém que nos é importante. Para uma criança é muito pior, ainda mais quando é rejeitado pelos próprios pais. No filme, o garoto Cyril extravasa a dor sendo o típico garoto briguento, que precisa se autoafirmar de alguma maneira. Ele foi deixado em um orfanato com a promessa de que o pai voltaria para buscá-lo em breve. Isso não acontece e ele decide ir à sua antiga casa a procura do pai e de sua bicicleta.

8 – Namorados para sempre, de Derek Cianfrance

É mais um filme cuja tradução não tem a ver com a intenção e o impacto do título original, Blue Valentine, que seria algo como “dia dos namorados depressivo/triste”. Após os créditos finais, é até possível entender a intenção da tradução, mas por si só, seria impossível. Significa o comprometimento de uma vida a dois, de um “sim” dito em dado momento, de um acordo até que a morte os separe, mas que não significa uma vida plena, repleta de felicidade. Na verdade, é uma união penosa, onde o “para sempre” não passa de obrigação. O filme trata do fim de um casamento, utilizando-se de uma narrativa que intercala momentos de quando o casal se conheceu e se apaixonou, até a gota final de um casamento acomodado, sem paixão e, principalmente, sem diálogo. A filhinha do casal é o único ponto que ainda os mantém unidos, mas um filho não deve e não pode segurar um casamento.

7 – Melancolia, Lars Von Trier

A melancolia não é um estado de espírito simples de superar, e é nesse contexto que o diretor nos apresenta uma realidade onírica para que seja mais fácil de lidar com a depressão. Consegue provocar angústia sempre com a honestidade. Aborda o fim do mundo, mas a catástrofe verdadeira não isso, e sim a própria condição de cada um que não consegue compreender a própria existência.

6 – A Pele que Habito, de Pedro Almodóvar

A Pele que Habito é a adaptação do livro Tarantula de Thierry Jonquet. Almodóvar quis fazer desse trabalho um filme de terror sem gritos assustadores, e conseguiu. É um filme violento, denso, obscuro, até mesmo apavorante, mas não de forma explícita. O diretor constrói uma narrativa que vai e volta no tempo, gerando suspense e causando surpresas à medida que tudo vai sendo desvendado. É uma obra repleta de reviravoltas que só alguém competente consegue apresentar com segurança. Traz Robert Ledgard, um cirurgião plástico envolto de mistérios, que se dedica a construir uma pele perfeita capaz de resistir até mesmo a queimaduras. Sabemos que ele perdeu a esposa de maneira trágica e que anos depois a filha é estuprada e precisa ser internada em uma clínica psiquiátrica. O médico mergulha então no trabalho e sua nova experiência é realizada em uma mulher enigmática chamada Vera, que vive presa em um quarto de sua mansão.

5 – O Palhaço, de Selton Melo

O circo é uma companhia itinerante de artistas que passam tanto tempo juntos a ponto de parecerem uma família. O Palhaço emociona seu respeitável público justamente por mostrar laços que podem ou não ser de sangue, mas que também entram em crise ao mesmo tempo em que se apóiam. Nessa trupe, o mais infeliz é Benjamin, coincidentemente aquele que arranca gargalhada e aplausos de todos quando está no picadeiro vestido de palhaço. E é justamente essa a grande dualidade do longa, mostrar pessoas felizes apresentando seus shows enquanto por trás do figurino e maquiagem há vazio, solidão e dúvidas.

4 – A árvore da vida, de Terrence Malick

A vida é feita de escolhas que refletem o futuro. Pode-se viver o caminho que satisfaz a si mesmo ou o caminho da graça universal. Deve-se pensar no fim, mas sem esquecer todo o processo até ele. A proposta do filme é exatamente a de relatar a vida por meio de simbolismos e significados embalados por uma brilhante trilha sonora e uma fotografia bastante sensível. Não é entretenimento, é autodescoberta.

3 – Biutiful, de Alejandro González Iñárritu

Dessa vez a narraiva de Iñarritu é linear e sem tramas paralelas. Há um único protagostia chamado Uxbal. Ele é médium, tem uma esposa bipolar, cuida dos filhos sozinhos e nunca conheceu o pai. Para sobreviver ele explora imigrantes africanos como camelôs e os chineses na construção civil e indústria têxtil. Ao ser diagnosticado com câncer em fase terminal, ele resolve mudar completamente e começar a praticar boas ações. Ele tem noção de que ter a consciência tranquila o ajudará a ter paz após a morte. É a procura da redenção das escolhas erradas durante toda uma vida.

2 – Reencontrando a felicidade, de John Cameron Mitchell

O luto é uma interiorização, a descoberta de um mundo novo, repleto de sensações e sentimentos desconhecidos anteriormente. O recomeço é complicado, é como adentrar no buraco do coelho para explorar um novo país, nem sempre das maravilhas. Mitchell mostra gritos aflitivos usando o silêncio e uma reaproximação sensível, ainda que a distância seja praticamente palpável. É sempre um dia após o outro.

1 – Cisne Negro, de Darren Aronofsky

Cisne Negro é, sem dúvida, uma das melhores estreias do ano no Brasil. O longa é uma travessia pelo conflito gerado na mente humana, que nem sempre leva aos melhores desfechos, dada à incompreensão que pode gerar. Aronofsky constrói um thriller psicológico angustiante, que desperta curiosidade a cada cena, na mesma medida com que é capaz de fazer os espectadores virarem o rosto. Basta observarmos toda a filmografia do diretor, que podemos creditar ao cineasta excelentes construções das imperfeições demasiadas humanas. Explicita a dualidade, mostrando que ninguém é de todo bom ou de todo mau, mas nem sempre um lado tem consciência sobre o outro.

A Pele que Habito

2011-12-15T17:08:00.000-02:00

Pedro Almodóvar é um provocador - e se você assistiu pelo menos a um filme do espanhol, já sabe disso. Considerado um dos cineastas contemporâneos mais influentes, Almodóvar lança seu mais novo trabalho A Pele que Habito, que parece trazer mais uma vez o característico trânsito entre angelical e o perverso, tão presente em sua obra.

Acostumado a levar temas polêmicos - como a pedofilia, traição, hipocrisia, homossexualidade, conformismo, e alienações geradas pela Igreja Católica - para a telona, o cineasta volta a trabalhar com Antônio Banderas, que havia dirigido em Ata-me, de 1990. O ator interpreta Robert Ledgard, um cirurgião plástico envolto de mistérios, que se dedica a construir uma pele perfeita capaz de resistir até mesmo a queimaduras. Sabemos que ele perdeu a esposa de maneira trágica e que anos depois a filha é estuprada e precisa ser internada em uma clínica psiquiátrica. O médico mergulha então no trabalho e sua nova experiência é realizada em uma mulher enigmática chamada Vera, que vive presa em um quarto de sua mansão. A única pessoa que sabe dessa atividade é a empregada Marília, mas ela age normalmente, sem parecer desconfiar de nada.

A Pele que Habito é a adaptação do livro Tarantula de Thierry Jonquet. Almodóvar quis fazer desse trabalho um filme de terror sem gritos assustadores, e conseguiu. É um filme violento, denso, obscuro, até mesmo apavorante, mas não de forma explícita. O diretor constrói uma narrativa que vai e volta no tempo, gerando suspense e causando surpresas à medida que tudo vai sendo desvendado. É uma obra repleta de reviravoltas que só alguém competente consegue apresentar com segurança.

Quem não é familiar com a filmografia de Almodóvar pode até estranhar a temática. Mas a estória demonstra potencial para resgatar alguns dos traços já tão marcantes ao longo dos seus 18 filmes. Indo do pastelão ao melodrama, transitando pelo noir e o suspense, o diretor mistura e transita por diversos gêneros em seus longas, nunca deixando a ousadia das histórias em segundo plano. Com uma direção sempre meticulosa, ele vem exercitando um cinema mais maduro desde o premiado Tudo Sobre Minha Mãe (1999).

Em A Pele que Habito, Almodóvar traz uma complexa discussão sobre o controle da vida e a identidade constituída pelo corpo e pensamento. Como viver na pele que habito, se essa não representa quem eu sou? A sexualidade sempre foi uma constante nos filmes do diretor, trazendo protagonistas que não se escondem por não se encaixar nos padrões sociais convencionais, mas nesse filme, não é uma questão de escolha.

Almodóvar explora com maestria os limites de seus atores. Banderas está seguro como há tempos não se via, mas quem rouba cena é a espanhola Elena Anaya como Vera, a personagem de maior importância na trama e muito bem explorada em diversos close-ups. Também nos presenteia com mais uma excelente atuação de Marisa Paredes, parceira de longa data do diretor.

As cores berrantes são outra marca do trabalho desse espanhol, mas a cada filme elas aparecem de maneira mais contida. Em A Pele que Habito o vermelho dá lugar ao azul, deixando de demonstrar a paixão tão comum nas obras, para dar espaço a tristeza e melancolia aliados à uma frieza que assusta.

A Pele que Habito é muito mais do que tudo o que escrevi, mas não posso violar todo o brilhantismo do diretor estragando a surpresa que, sem dúvida nenhuma, o espectador vai ter. Ao contrário do que parece, o filme pode até ter momentos horrendos, mas é impossível não classificá-lo como belíssimo. Almodóvar é um diretor eclético que sabe fazer arte brincando.

O Palhaço

2011-12-09T17:50:00.003-02:00

Nessa trupe, o mais infeliz é Benjamin, coincidentemente aquele que arranca gargalhada e aplausos de todos quando está no picadeiro vestido de palhaço. E é justamente essa a grande dualidade do longa, mostrar pessoas felizes apresentando seus shows enquanto por trás do figurino e maquiagem há vazio, solidão e dúvidas.

Muitas figuras de palhaços já passaram pelas telonas, seja de forma trágica, aterrorizante ou cômica. No filme de Selton Melo esse personagem é lírico, mostrando bem mais do que um belo sorriso pintado no rosto. O Palhaço nos apresenta um protagonista que não consegue se divertir fora do picadeiro, que está chorando por dentro. E a cada cidadezinha por onde o Circo Esperança passa, descobrimos personagens encantadores, com histórias diferentes e que, de uma forma ou outra, aumentam a angústia de Benjamin, também conhecido como Palhaço Pangaré, que está em busca de sua identidade – tanto literal quanto metaforicamente.

Pangaré apresenta o número com seu pai, o Palhaço Puro Sangue, dono do circo. Ao final de cada espetáculo o dinheiro é contado e dividido entre os integrantes. Maquiagens tiradas e nenhuma graça restante. Benjamim é frustrado, mas não sabe o que realmente quer. Aquela rotina parece matá-lo. Os olhares perdidos, a postura enrijecida de alguém que carrega o peso do mundo nos ombros, o silêncio, só intensificam ainda mais o sentimento de cansaço e insatisfação.

O Palhaço fala sobre deixar uma vida pra trás em busca do novo e incerto. Até mesmo uma criança consegue perceber que a vida real é bem mais dura do que a de dentro do picadeiro. Os sorrisos são momentâneos e não duradouros. Não existe mágica para se curar um sentimento. Sob os olhos da filha de um casal integrante da trupe vamos descobrindo o mundo que não se limita ao circense.

Selton Melo assumiu um desafio bastante grande, o de dirigir a si. Ele sempre soube honrar o nome que atrai milhares de pessoas ao cinema. Seu primeiro longa-metragem foi o excelente, mas depressivo, Feliz Natal. Apesar da melancolia, O Palhaço dá as costas ao pessimismo do antecessor e toca o coração de todos de forma bastante sensível e poética.

A iluminação colabora para dar o peso da magia e da melancolia. Dentro do picadeiro a atmosfera é bem iluminada em tons de laranja, mostrando o brilho daqueles artistas que arrancam risos sinceros. Quando as cortinas se fecham o vazio dá o tom ao ambiente. Tudo fica mais árido, como os lugares pelos quais o circo passa. O meio do nada.

Mas nada disso daria certo se o elenco não estivesse afinado. Melo está em uma das atuações mais seguras de sua carreira, encontrando realmente o tom certo para Benjamim e duelando de igual para igual com o grande ator Paulo José, que merece ser aplaudido em pé por esse trabalho. Os olhares tristes que os dois lançam não impedem de deixar quem assiste com um sorriso nos lábios. Retratam conflitos comuns a todos. São personagens reais e conseguem ser percebidos assim.

Selton Melo consegue provar ainda mais o quanto é um bom diretor ao ser brilhante o suficiente para tirar uma boa atuação até mesmo de Fabiana Karla. Aliás, as participações especiais são geniais, principalmente a de Moacyr Franco como o delegado Justo, dono de um dos momentos mais divertidos do filme. Tonico Pereira também arranca risos ao interpretar dois personagens que marcam a viagem dos integrantes. São momentos simples que tornam a realidade de Benjamim ainda mais profunda.

O Palhaço traz um humor inocente, mas que se permite emocionar. O personagem de Melo sonha em comprar um ventilador e o compra. Esse momento não deve representar apenas uma brisa refrescante ou novos ares ao personagem cansado, mas também ao cinema brasileiro que encontra um excelente candidato a diversos prêmios e que, sem dúvida, vai ser eternizado por todos que assistiram e puderam ser tocados. Assim como a Dorothy, Benjamin também nos mostra que não tem melhor lugar no mundo do que a nossa casa.

Entrevista com a atriz Vanessa Gerbelli

2011-11-21T17:19:00.001-02:00

Com carreira consolidada na TV e no teatro, a atriz Vanessa Gerbelli alça vôos cada vez mais altos agora também pela sétima arte. Fez participações em longas como Os Desafinados e Carandiru, e tem assumido desafios grandes para não se limitar principalmente aos papéis televisivos que caem nas graças e ficam na lembrança do grande público.

Vanessa não precisa provar nada a ninguém. Isso ela já fez há alguns anos e passou com louvor, afinal, só se chega a 18 anos de carreira com dedicação, talento e escolhas certeiras. A atriz transita da comédia ao drama com leveza, sem esforço aparente. É dona de uma atuação emotiva e sensível que ganha a cada dia mais espaço. 2011 foi o ano de brilhar nas telonas, primeiro com As Mães de Chico Xavier e agora com A Hora e a Vez de Augusto Matraga.

Você já tem uma carreira sólida na TV e no teatro, mas no cinema havia feito mais participações. É difícil se desvencilhar de personagens conhecidos do grande público para entrar no meio cinematográfico?

Acho que não é difícil para o ator. Acho que fica complicado para as produtoras de cinema escalar atores comprometidos com a televisão - novelas principalmente -, nas quais o ator é muito exigido e não consegue tempo para se dedicar a outra coisa, e também fica com uma imagem muito vinculada a personagens que ganham popularidade. Apesar disso, acho que é possível para um ator dedicado e consciente se reciclar e fazer diferentes personagens no cinema, no teatro e na TV.

Esse ano estreou “As Mães de Chico Xavier”, filme que trata do espiritismo e segue a onda de sucesso de “Chico Xavier” e “Nosso Lar”, levantando velhas discussões sobre a originalidade do cinema, no sentido de a maioria das produções serem adaptações ou remakes. Você acha que realmente está faltando novidades na indústria?

Acho, sim. A nossa produção está muito vinculada ao que o mercado pode absorver e isso é limitador. Qualquer criação que inicia com tantas orientações pré-estabelecidas fica sem originalidade. É preciso muita estratégia e talento para fazer algo interessante e ainda ser adequado ao que o "mercado" quer apresentar.

No filme você interpreta uma mãe que mantém contato com o filho por meio de cartas psicografadas. Trazer toda a dor e a falta de racionalização que o sentimento de perda gera não deve ser algo técnico. Como foi a construção de todas essas emoções?

As cenas já eram por si muito emocionantes, e eu me deixei levar por elas. Sou muito emotiva e a morte é um assunto que me toca demais. Foi um envolvimento totalmente emocional... e emocionado.

Foi necessário compreender a espiritualidade e acreditar no dom de Chico Xavier para dar vida à personagem?

Eu já acreditava no dom do Chico. É uma das pessoas mais fascinantes de quem já ouvi falar. Tenho algumas ambições espirituais, acho que foi isso que me aproximou do roteiro.

“A Hora e a Vez de Augusto Matraga” é a adaptação de um livro de Guimarães Rosa, o que traz grande responsabilidade. Mas no pré-lançamento, durante o Festival do Rio desse ano, surpreendeu por desbancar outros longas favoritos. Como foi mergulhar no universo desse autor tão poético e que consegue dar realismo a lugares que nem mesmo conheceu?

Ah, estamos falando de um gênio da literatura, que traz tanta poesia e humanidade que mergulhar em seu universo é um privilégio, uma maravilha mesmo. Se para um leitor já é um deleite, imagine para um ator viver uma de suas personagens, estar dentro da sua história.

Além de atuar, você também participou da concepção do roteiro de “A Hora e a Vez de Augusto Matraga”. Essa colaboração trouxe mais referências para compor o personagem?

Sem dúvida. Me fez estar ciente da função de cada cena, cada personagem e cada fala. Isso me fez atuar de forma muito tranquila. O meu entendimento era muito grande. Entendimento é tudo.

Os personagens do filme captam a essência do ser humano, cada qual com seu nível de crueldade que pode ou não vir à tona. Às vezes chegam a ser de uma pureza cruel. Não torná-los caricatos é uma tarefa difícil, mas que foi executada de forma brilhante. Como é dosar o tom dramático em um filme que não deixa a narrativa novelesca de lado?

Nesse caso é fundamental a mão do diretor. No Matraga, o Vinícius [Coimbra] foi muito preciso na direção das interpretações. Ele teve o conto como base e soube “partiturar” o que queria de cada uma das personagens.

É possível ter o mesmo refinamento do cinema na composição de um personagem para a TV?

Acho possível, só que em longo prazo. Podemos ver trabalhos belíssimos na TV, mas que são vistos após certo tempo da novela ou série no ar. A televisão não nos permite ensaio, nem muito tempo de mergulho antes do início. Vamos construindo ao longo do processo. É interessante também, mas a personagem só fica pronta meses depois do trabalho estreado. Isso se realmente for uma boa personagem, inserida numa dramaturgia também boa e com bom texto.

Quais seus próximos projetos no cinema?

Estou escrevendo um roteiro sem muita pretensão, vamos ver no que dá. E em março também vou rodar o "Turbilhão", do Domingos Oliveira. Ele havia me convidado para fazer a peça, mas eu estava comprometida com Emilinha e Marlene, as rainhas do rádio. Quem fez a temporada no teatro foi a Luana Piovani. Agora que ele decidiu filmar a história, ela engravidou. Foi aí que ele me ofereceu o papel novamente. Estou felicíssima porque é uma das pessoas com quem mais desejava trabalhar, desde sempre. O Domingos é um dos nossos mestres, sem dúvida.

Entrevista com o diretor Roberto Moreira

2011-11-18T11:46:00.000-02:00

Roberto Moreira realizou seu primeiro longa em 2004. Contra Todos é um filme urbano, violento, cru, que explora a solidão e a miséria humana. Cinco anos depois e alguns trabalhos na TV no currículo, o diretor voltou com o longa Quanto dura o Amor?, filme não menos intenso que o de estréia, mas abordado de maneira mais delicada.

Moreira é um cineasta expressivo e que demonstra a cada cena sua paixão pelo cinema, evidenciada principalmente pela qualidade técnica dos filmes e por ser um excelente diretor de atores. Seus trabalhos trazem reflexões morais sobre o que nos cerca e como a sociedade se comporta e vive de aparências. Faz da sua arte uma expressão significativa, mas não é mero retrato cotidiano, é o mais puro cinema.

O diretor contou ao Às Moscas um pouquinho da experiência de cada filme:

Contra Todos é um filme agressivo que explora as misérias humanas de forma bastante contundente. A necessidade de se expressar de forma impactante foi motivada por ser seu longa de estréia?

Não, foi uma necessidade expressiva minha. Sempre achei nosso país muito violento e me assusta como aprendemos a conviver com ela como se fosse normal.

Contra Todos é um filme rústico, cru, como se fosse um documentário. Como foi o processo para se criar uma obra tão realista apesar de ser ficção?

Esse foi um processo muito gratificante. Eu sinto que um problema sério do cinema brasileiro é construir um mundo coerente e bem motivado. Esse é um desafio que me coloco em todos os filmes. Ao mesmo tempo, não basta ser verossímil, é preciso algo de excepcional que eleva o filme acima do cotidiano, e equilibrar esses dois extremos foi o que tentei no filme. Quanto à parte prática, fiz questão de filmar em locações e mexemos o mínimo possível nelas. Quando cenografamos, como na casa de Teodoro, buscamos os objetos e móveis na região. Também usei a câmera na mão e um estilo documental de filmar e, claro, a escolha e preparação dos atores foi fundamental.

Para gerar a naturalidade necessária ao filme, o elenco foi fundamental. Como se deu a escolha dos atores?

Fiz muitos testes, e sempre peço para os atores improvisarem alguma cena comigo. No cinema não basta ser bom ator, é preciso também tomar café com naturalidade. Após uma primeira seleção, fiz uma segunda rodada de testes para ver como os atores combinavam entre si. Acho muito importante ter pelo menos dois bons atores, para aí sim, escolher o melhor para o personagem.

Em Quanto Dura o Amor? os planos sequência são bastante valorizados. Os atores tiveram a mesma liberdade de improvisação do que em Contra Todos?

Por isso mesmo que fiz os planos sequências, para conseguir improvisar. Tinha muito pouco tempo e se ficasse mudando a posição de câmera e procurando novos enquadramentos, não ia conseguir filmar dentro do meu cronograma.

De um filme a outro houve grande mudança de estilo. A que atribui isso?

Porque gosto de me colocar desafios novos a cada filme. Num era filmar a ficção como se fosse um documentário, no outro o uso do plano sequência. No próximo quero fazer um filme todo desenhado antecipadamente. Cada filme tem as suas exigências e é muito gostoso explorar essas diferenças.

Quanto Dura o Amor? é um filme multiplot, portanto atrair o público se torna mais desafiador. A montagem do filme sendo essencial para costurar as histórias, interfere na empatia do público por um ou outro personagem?

Um filme multiplot é uma empreitada muito difícil justamente por conta disso. É fácil perder o espectador durante o filme. Por isso tudo tem ser muito bem dosado para garantir o interesse em todas as histórias e isso acontece pra valer na montagem.

Apesar de Contra Todos ser mais violento, ambos os filmes falam de solidão. Todos os personagens estão inseridos em uma sociedade que não os apóia, que vive de aparências. Por que o tema “solidão” se tornou recorrente?

Eu realmente não me coloco esse tipo de questões. Não faço a menor idéia. Só procuro fazer os filmes que me interessam. O mais legal é que fazer filmes é mesmo um jeito de se descobrir.

Quanto Dura o Amor? mostra relações diferentes. Como fugiu dos estereótipos?

Indo sempre na direção contrária do óbvio e desconfiando da primeira idéia.

Você também colaborou com o roteiro de Cabra-cega, filme que trata da privação da liberdade. Apesar de ser contextualizado nos “anos de chumbo” da ditadura militar, é um retrato do Brasil que vivemos hoje?

Olha, eu só tive uma idéia lá atrás antes mesmo da roteirização. Mas não acho que vivemos sem liberdade no Brasil de hoje em dia.

Quais os próximos projetos?

Chama-se Terapia do Medo e é um thriller sobrenatural.

Reféns

2011-11-17T17:31:00.003-02:00

Um filme ruim, com desenrolar péssimo e final medíocre. Sem dúvida nenhuma, Reféns é um dos maiores desastres do ano. O que não surpreende, tendo em vista que é dirigido por Joel Schumacher. Sim, o diretor fez o excelente Garotos Perdidos, marco da infância de muita gente que passava as tardes assistindo ao Cinema em Casa. Em contrapartida, destruiu a franquia Batman, antes de Christopher Nolan assumi-la. Definitivamente é um diretor que fez inúmeras bombas para algumas cenas decentes.

A pergunta então é a seguinte: por que eu perdi tempo assistindo a esse filme? A resposta é rápida: porque tem Nicole Kidman no elenco. Sei que a atriz também tem colecionado péssimos filmes, mas é dona de um dos melhores trabalhos do ano com Reencontrando a Felicidade. Ao lado dela temos mais um nome de peso, Nicolas Cage é outro que leva os desavisados ao cinema. Mas dos fãs de Cage eu não sinto pena, já que há anos ele não consegue fazer nada significativo. Está longe de trabalhos como Despedida em Las Vegas, que lhe rendeu o Oscar.

O longa parece um plágio que reforça ainda mais os pontos negativos de Refém (2005). Traz Kyle como um negociador de diamantes que vive mais em função do trabalho do que da família. Sua esposa Sarah é uma dona de casa infeliz no casamento, que se sente sozinha em uma mansão enorme e bate de frente com Avery, a filha adolescente que está em fase de rebeldia e foge de casa para ir a uma festa. Nessa mesma noite a casa é assaltada e o casal é feito de refém por criminosos que querem diamantes que estão no cofre.

Essa premissa já parece péssima, mas consegue piorar muito. O roteiro conta com pelo menos quatro reviravoltas para tentar segurar a atenção do espectador, o que significa que a história é frágil e mal construída. Tudo se passa em uma única noite, e os 91 minutos de duração do filme são mais do que eternos, já que o espectador se entedia na primeira meia hora. O que me lembra outro filme de Schumacher, mas dessa vez um grande acerto, conseguindo segurar o público por 81 minutos repletos de tensão em Por um Fio.

Se a intenção era deixar o público curioso e tenso, a receita não funcionou. O resultado dos ingredientes adicionados a esse roteiro péssimo rende apenas uma história sem nexo, recheada de traições e tentativas de surpresas. Kidman aparece sem traços de botox, mas de nada adianta ter um rosto expressivo se o personagem não traz nada além de gritos, sem explorar o drama existencial que até é sugerido no decorrer da trama. É apenas mais um personagem infeliz dessa que já provou ser uma grande atriz. Cage está mais uma vez caricato e canastrão, mas isso não é novidade se pensarmos nos últimos trabalhos do ator, todos patéticos.

Os criminosos que poderiam da um gás ao rumo da história não colaboram. Todos eles são ridículos e não exploram as possibilidades dos personagens. Um bom vilão conseguiria ao menos render um ponto positivo e explicar o porquê de o filme ser feito, mas não é o caso. Mesmo com armas em punho eles não conseguem demonstrar o poder que têm sobre a família refém, o que rende cenas cada vez mais incoerentes ao duelarem com o “pai herói” interpretado por Cage.

Reféns é puro clichê. Não acrescenta nada a quem assiste, e não se salva nem com um balde de pipoca e um refrigerante gelado ao lado. Então usarei apenas mais uma frase de efeito do filme para resumir a minha dica: “Run baby, run...”

Gigantes de Aço

2011-11-07T22:33:00.002-02:00

Gigantes de Aço é um filme que te transporta imediatamente à sessão da tarde na infância. Digo isso pelo simples fato de que bebe em diversas fontes recheadas de clichês na tentativa de emocionar o espectador. Se isso consegue continuar satisfazendo a quem assiste, é outra história.

O que não se pode negar é que todo o caráter oitentista do filme é adotado de maneira bastante consciente pelo diretor Shawn Levy. Ao falar de um boxeador fracassado a procura de redenção, há a impressão de estar se referindo à Rocky Balboa, não é mesmo? Mas e quando é sobre um pai ausente que precisa se aproximar do filho que perdeu a mãe, mas esse resiste a ficar sob os seus cuidados? Acredite, não é de Falcão – O Campeão dos Campeões a que me refiro. Essa overdose Stalônica é apenas uma lembrança (grande lembrança) causada pelo roteiro de Gigantes de Aço, mas com o acréscimo de robôs.

O longa em questão apresenta Charlie, vivido por Hugh Jackman, um ex-boxeador que não conseguiu sucesso nos ringues e passou a ganhar a vida com lutas clandestinas entre robôs, o esporte mais famoso e rentável dos anos 2020. Com a morte de sua ex-namorada, Charlie se vê obrigado a cuidar do filho, Max. Essa tarefa tem prazo de validade, já que em alguns meses o garoto vai morar com a tia. Nesse cenário de reaproximação, eles descobrem uma sucata de robô no ferro velho e com ele conquistam vitórias juntos.

Gigantes de Aço não tem a pretensão de inovar, mas tenta manipular as emoções do espectador. A fórmula secreta utilizada milhões de vezes, é a do anti-herói que se redime com a ajuda do filho, principalmente se formam uma boa dupla no que quer que seja. A cumplicidade que se estabelece entre Charlie e Max no decorrer do filme pode até não ser original, mas mostra entrosamento entre os atores. Jackman começa o filme como o cara solitário e perdedor, que deve dinheiro a Deus e o mundo, mas que aos poucos aprende o que significa ser pai. O garoto, interpretado por Dakota Goyo, rouba a cena e enche a telona com carisma e segurança, sendo o grande destaque do longa.

Mas como o próprio título diz, o que chama a atenção são os gigantes de aço que se massacram nos ringues, com banhos de óleo e muita “carnificina” – ok, esse termo não cabe aqui, mas deu pra entender. As lutas são precisamente coreografadas e os grandões dão show pela qualidade técnica. Cada captação de movimento é muito bem planejada e rende sequências empolgantes. Talvez o grande acerto seja mostrar um futuro não muito diferente do nosso, exceto pelo esporte mais violento não ter humanos se espancando, e sim máquinas controladas por eles.

Atom, o robô encontrado por Max e Charlie, chama a atenção por carregar uma espécie de “sorriso”, como se ele tivesse consciência do que acontece ao redor, e mais, sentisse carinho pelo menino. Mas essa idéia não estabelece nenhum foco narrativo, está presente em uma cena em que nos empurram goela abaixo esse conceito de sensibilidade de maneira superficial. Atom não consegue criar empatia, mas já que é o robô do “bem”, torcemos por ele.

É claro que o desenrolar da história é previsível com aquela lengalenga de que “todos merecem uma segunda chance”, mas a falta de criatividade é compensada pelo carisma dos atores. Quem também encabeça o elenco é a Evangeline Lilly em um personagem desnecessário e que não acrescenta nada à filmografia da bela atriz.

Gigantes de Aço tem alguns defeitos, cria uma salada mista de referências cinematográficas, traz lições de moral repetidas (!!!), mas nada que prejudique uma boa sessão pipoca. Só não exija mais do que um filme de entretenimento possa te dar.

10 Centavos

2011-11-06T18:05:00.000-02:00

O que se compra com 10 centavos? A resposta de muitos seria uma bala, um chiclete, ou até mesmo nada. É exatamente isso, para alguns esse valor não significa absolutamente nada. Mas para outros pode ser uma vida com dignidade.

O curta-metragem 10 Centavos é dirigido por César Fernando de Oliveira e narra o dia de trabalho de um menino guardador de carros de Salvador. Ele passa o dia longe de casa tentando conseguir alguns trocados para ao menos se alimentar e levar alguma comida para a família, mas nutre sempre a preocupação de ser honesto e pagar todas as suas dividas. O menino carrega consigo valores morais e éticos que claramente não se aprende nos livros. É nato. É belo.

Não sabemos o nome do personagem principal. Ele é apenas mais um garoto tentando sobreviver em meio ao caos. Aos olhos dos soberbos, é aquele que passa despercebido por não ter rosto, é apenas mais uma criatura que polui a sociedade e deixa de ser criança. Se o trabalho dignifica o homem, o que dirá de uma criança, principalmente se essa está inserida no contexto de uma sociedade tão desigual?

Quando vemos o garoto passar um dia todo guardando carros e voltar para casa tarde da noite, a sensação de desamparo é gritante. “Por que ele não está na escola?” parece até uma pergunta boba, mas não é e nunca vai ser. O Estado deveria estar presente em sua formação tanto educacional quanto social e não ser o algoz em uma luta diária de alguém que deveria saber o que é ter infância, mas não sabe. O vilão que ele conhece não é o das fábulas infantis, e sim o da vida real. É a barriga roncando de fome, o frio, a falta de carinho, a falta de confiança, ser visto como bandido quando na verdade é vitima de um sistema perverso.

O curta tem pouco mais de 19 minutos com planos cuidadosamente pensados. A fotografia é poética e consegue transformar um cenário de mazela social em um quadro muito bem pintado. 10 Centavos é a prova de que cinema bem realizado não se limita aos grandes eixos, pode ser feito em diferentes lugares, e ainda assim ter a cara do Brasil.

Veja em duas partes:

Entrevista com a atriz Paula Braun

2011-11-04T22:42:00.003-02:00

Não é mais um rostinho bonito da TV. Tampouco uma atriz que causa overdose na telona sem descansar a imagem. Nem comecei a falar de Paula Braun e já tenho motivos de sobra para admirá-la. Quem já a viu em cena, reconhece que a atriz não pode ser reduzida a estereótipos – e olha que já tentaram moldá-la a alguns -, mas nada que tenha conseguido condenar ou limitar a carreira que, apesar de ter começado cedo, ainda engatinha em uma trilha de personagens bem construídos sobre uma base segura de interpretação que também pode ser vista nos palcos.

Paula Braun respondeu ao Às Moscas por e-mail e contou um pouquinho da carreira com grandes acertos e sem afobamentos. E é assim que deve ser, um passo de cada vez, com escolhas certeiras.

O cheiro do Ralo é um filme provocativo e ousado ao retratar um homem que compra objetos e impõe seu poder diante da miséria humana. Não é um roteiro leve, tampouco atrativo num primeiro momento, se levarmos em consideração que, de uma forma geral, o público está acostumado a filmes menos intensos. O que te atraiu nesse trabalho?

O que me atraiu foi justamente o fato de ser um roteiro provocativo, intenso, que leva as pessoas a pensarem mais do que de costume. Eu acredito que o papel do cinema e das artes é esse mesmo. E eu sempre adorei o trabalho do Lourenço Mutarelli e estava com vontade de trabalhar com o Heitor Dhália. Eu tinha feito um participação bem pequena no Nina e o contato com ele partiu daí. Eu amei o livro e achei a adaptação muito inteligente.

Não entendemos o nome da sua personagem em O Cheiro do Ralo porque isso pouco importa, tendo em vista que ela é reduzida a uma bunda pelo protagonista. Ficou receosa pelo estereotipo que poderia carregar?

No princípio, não. Nunca me vi como uma gostosa ou coisa do tipo. E acho que a personagem tem uma função muito clara dentro do contexto do filme, que vai muito além de ser uma bunda bonita. Confesso que fiquei assustada com a repercussão. Não é a obra, mas é a mídia te coloca num lugar de ser a boazuda, a bunda do cinema nacional naquela época. Tive de negar vários trabalhos que, aí sim, depois do Cheiro do Ralo me colocariam no estereótipo.

No filme há sucessão de diversos personagens que nos ajudam a perceber o dilema humano que vive o protagonista. Mas apesar dessa vitrine de pessoas, quem realmente consegue mostrar o lado grotesco dele, é sua personagem. Como se deu o trabalho de composição?

Eu pensei na garçonete como uma pessoa ingênua, que sobrevive e leva a vida como milhões de brasileiras que seguem todos os dias para o trabalho. O figurino curto, o sapato alto, o cabelo de lado preso com a flor, não condizem com a realidade dessas pessoas, eu sei, mas são uma licença poética maravilhosa que tira um pouco do peso que tem o realismo. E a minha função ali era ser leve pra ser um respiro dentro do filme, que é mais pesado - apesar de engraçado.

Como você lida com as cenas de nudez?

Tranquilamente se forem dentro de um contexto inteligente. Uma obra de arte é sempre maior do que qualquer julgamento ou pudor. Nudez gratuita ou pra dar audiência e público eu não faço.

O longa Bollywood Dream - O Sonho Bollywoodiano é uma espécie de Road movie que não retrata apenas uma viagem a outro país, mas também de autodescoberta. A realidade da Índia interferiu com a pré-composição concebida aqui no Brasil?

Como a Beatriz já conhecia a Índia, sabia que o país transforma qualquer pessoa cética. Então a pré-composição foi muito aberta. Ela ouviu o que cada uma de nós gostaria de falar naquele momento e fez um roteiro cheio de "buracos" que sabia que seriam preenchidos por lá. Por isso ela diz que a gente colaborou no roteiro. As coisas que surgiram foram aproveitadas. E no final, se formos analisar, está tudo escrito. Ninguém voltou igual ao que foi, e era esse o principal argumento para todas as personagens. Nós fomos mudando com elas. E é por isso que tinha que ser a Índia.

As maiores dificuldades para a realização do filme se deram na construção da personagem ou em encarar uma cultura diferente, principalmente sendo mulher inserida em uma sociedade machista?

De tudo um pouco. Teve também a falta de investimentos. A gente passou por dificuldades que com um pouco mais de dinheiro tínhamos nos safado. Mas acho que tudo contribuiu pra o filme ser como ele é. Tudo o que passamos está impresso e vai ficar ali registrado pra sempre.

A visão de uma mulher no roteiro e na direção, como foi o caso da Beatriz Seigner em Bollywood Dream - O Sonho Bollywoodiano, ajudou a criar a dinâmica e os laços das três amigas que protagonizam o filme?

Não sei. Não sei se acredito que isso aconteceu por ela ser mulher. Acho que foi por que ela é uma pessoa sensível e porque convivemos as quatro durante dois meses passando por tudo o que a gente passou. Não foi pouco, não foi fácil, daria outro filme, mas fortaleceu. Tivemos momento muito pesados e muito divertidos também. Nunca mais vou esquecer. Imagina que ideia absurda, quatro amigas, uma louca que escreveu, dirigiu, fotografou e produziu, e ainda levou mais três outras loucas junto pra um país completamente diferente. Alguns lugares por onde passamos, não tinha nem telefone, nem luz elétrica, nada. Eu ficava pensando... "se eu morrer aqui ninguém me acha". Mas foi lindo. Um privilégio ter passado por isso na vida.

O filme Amanhã nunca mais chega no próximo dia 11 aos cinemas. Lázaro Ramos protagoniza o filme e se mete em muita confusão pelo simples fato de ter dificuldades em dizer “não”. Você também encontra dificuldades em verbalizar essa palavrinha?

Não. hehehe

O filme é a estréia de Tadeu Jungle na direção. Esse é um fator que causou insegurança?

De jeito nenhum. Tadeu já era um grande diretor de documentários. E um baita diretor de cena. É espirituoso, aberto, corajoso, sensível pra caramba... Eu faço duas personagens nesse filme. Uma enfermeira (Renata) e uma mulher da vida que no final da cena se revela uma travesti. Olha que coragem dar duas personagens pra uma mesma atriz? E que lindo eu ter esse privilégio. Acho bacana que quem não me conhece não percebe que é a mesma atriz. E gosto muito do porquê ele fez isso. Da confusão que isso cria na cabeça de um homem que tem esse dia pra mudar de vida, pra dizer não, pra conquistar a mulher. Mas não vou contar muito porque ainda não entrou em cartaz. hehehe Mas é um grande filme.

Entre os seus trabalhos no cinema tem o curta-metragem Quinta Coluna realizado em Santa Catarina. Como é a visibilidade de produções que saem do eixo Rio – São Paulo?

Curta metragem é um trabalho que ainda não tem mercado. Só festival. Independente de onde ele seja feito. Mas é um exercício maravilhoso de ousadia, por conta disso. O diretor não tem um compromisso com o mercado. Então faz o que quiser. Uma delícia. São poucos os lugares fora do eixo que possuem leis de mercado para captação de recursos para a produção cinematográfica. Santa Catarina é uma lástima. Quando eu saí de lá nem secretaria de cultura tinha mais no estado. Colocaram tudo num saco só e fizeram a secretaria de cultura, esporte, lazer e turismo. Como você vai competir com esporte? Não sei como está agora. Recife (PE) tem uma produção invejável de cinema que chega a todos os lugares. Muita qualidade. Paulínia (SP) virou um polo de cinema no país. Rio Grande do Sul também tem uma produção muito boa de cinema. Acho que dá pra sair do eixo e ser feliz também.

O preconceito contra o cinema brasileiro, alegando haver sexo, palavrões e violência gratuita ainda é latente?

Eu não sei. Acho que estamos em uma fase que tem filme pra todo gosto. Os que copiam a fórmula americana e são os grandes em números de bilheteria, os de baixo orçamento que apostam no novo e menos rentável, os de ação como Tropa de Elite, os que fazem o perfil mais arte mesmo - porque pra ser sétima arte tem que fazer jus. Eu espero que esse preconceito suma, e que se perceba o valor dos filmes nacionais. Eu espero também que o nosso público fique cada vez mais exigente em termos de qualidade do que se assiste, porque novela a gente pode ver em casa. E eu sou suspeita. Adoro a cara que o nosso cinema tem.

Tomates verdes fritos

2011-11-02T13:15:00.001-02:00

Começo perguntando o que é um “filme feminino”? Com esse rótulo muitas pessoas tentam vender Tomates verdes fritos, mas essa não é uma obra que deve se reduzir a nenhum tipo de estereótipo, já que narra verdades morais sob o véu da ficção. Não tem nada a ver com produções água com açúcar como muitos acreditam fazer a cabeça das mulheres - o que também é um equívoco.

O filme se divide em duas histórias que são diretamente ligadas, por mais que estejam separadas em um tempo de cinqüenta anos. Traz Evelyn Couch, uma esposa dedicada interpretada por Kathy Bates, que passa por uma crise pessoal e no casamento, mas que encontra nas histórias contadas por uma senhorinha no asilo, interpretada magnificamente por Jessica Tandy, a valorização de si e a coragem para enfrentar seus medos. E essas histórias narram a vida de duas mulheres da década de 1920, Idgie Threadgood e Ruth Jamison, donas de um restaurante que vende os tão famosos tomates, verdes, fritos.

Tomates verdes fritos tem como pano de fundo as relações entre cidadãos de uma pequena cidade do Alabama e como cada um se porta em determinados lugares sociais, já que os valores estão mudando e não agradando a todos. Idgie e Ruth lutam por uma sociedade mais unida e querem que os negros passem a ter os mesmos direitos dos brancos, além de não aceitarem ser meras coadjuvantes apenas por serem mulheres. Nessa época o preconceito é latente entre muitas pessoas, e membros da Ku Klux Klan se encontram por todo o Estados Unidos, o que obviamente gera muitos conflitos entre as protagonistas e os que não aceitam essa luta integralista.

A amizade é muito valorizada no filme, seja na década de 1920 entre Idgie e Ruth, ou nos dias atuais entre a senhora chamada Ninny e Evelyn. As duas primeiras enfrentam muitas dificuldades juntas, principalmente pelos ideais revolucionários defendidos apesar de terem personalidades completamente diferentes, o que serve para reforçar ainda mais a união, amor e aceitação de ambas. Já as amigas dos dias atuais mostram um sentimento terno que revela o que há de melhor em cada uma e em como a vida de alguém que nem conhecemos pode interferir na nossa.

O filme humaniza as relações apresentadas e não cai no melodrama. O diretor Jon Avnet, talvez como maior trunfo do filme, traz a honestidade de sentimento de forma imparcial. Todas as críticas sociais apresentadas na obra são de certa forma sutil. Além da ignorância preconceituosa dos habitantes, consegue reunir diversas características condenáveis em um personagem que representa toda a essência contrária à Idgie e Ruth, sendo racista, sexista e espancando a mulher.

Tomates verdes fritos não traz fronteiras de cor, sexo, religião, sexualidade ou condição social. Apesar de todos os julgamentos morais e éticos expostos ao decorrer da narrativa, o filme é doce. Consegue traduzir a história das relações humanas mais complexas de forma simples, enfatizando o sentimento que une essas quatro mulheres de gerações distintas: a amizade.

A responsabilidade por tornar os personagens cativantes coube perfeitamente às atrizes escaladas para viverem as protagonistas. Mary Stuart Masterson dá vida à encantadora Idgie, mulher forte, destemida e revolucionária, mas não menos sensível às diferenças sociais gritantes da época, e apaixonada pela vida. Ruth, vivida por Mary-louise Parker, é paradoxal ao conseguir ser forte e ao mesmo tempo frágil, traduzindo perfeitamente a emoção de cada cena.

Já as veteranas Jessica Tandy e Kathy Bates estão em um dos melhores momentos de suas carreiras. As duas conseguem interligar o sentimento de carinho e, juntamente com a história contada por Ninny, mostram como o filme é caracterizado pelo sentimento de amor, cumplicidade e, acima de tudo, da luta pelo outro, seja por meio de engajamento social ou o de querer que a outra pessoa simplesmente viva.

Tomates verdes fritos permite ao espectador o encontro de diversos sentimentos, seja de alegria, raiva ou paixão. O final consegue ser ainda mais intenso quanto à questão da sensibilidade, nos fazendo enxergar ainda mais a história de vida de cada uma dessas grandes mulheres. O filme merece ser visto e discutido não apenas por ser atemporal, mas porque narra um pouquinho do que nós somos ou gostaríamos de ser.

A Árvore da VIda

2011-10-07T14:09:00.000-03:00

Não concordo com quem elegeu Terrence Malick para ocupar o posto do gênio Stanley Kubrick, mas não posso fechar os olhos diante de inúmeras similaridades apresentadas, principalmente, em A Árvore da Vida. Os dois diretores não são nem de longe unânimes no gosto popular, e quem não está acostumado com a cadência lenta em filmes se sentirá torturado. Dividem crítica e público, mas conseguem alavancar suas produções como obras primas, mesmo que anos depois.

No mais recente filme de Malick, o tema central é o existencialismo, mas não de forma religiosa e sim espiritual. O gancho para toda a reflexão é o autoritarismo do pai, interpretado magnificamente por Brad Pitt, mostrando uma família texana dos anos 1950 sob a ótica de Jack, o filho mais velho. As amarras sociais de uma educação rígida e intransigente da época acompanham o jovem até a vida adulta porque todas as ações são refletidas na construção de quem de fato ele é. É quando surge Sean Penn interpretando Jack na fase adulta e sem o menor resquício de vivacidade.

Apesar da arbitrariedade do pai, o personagem não nos é apresentado como uma figura má e sim como alguém que age de acordo com o que aprendeu e recebeu durante a vida. É um sobrevivente que quer o melhor para os filhos porque se sente medíocre diante de tudo aquilo que sempre sonhou e não conseguiu alcançar. Outro ponto que o enrijeceu diante do mundo foi a morte do filho aos dezenove anos, acentuando ainda mais a sensação de perda.

Malick cria uma narrativa não linear que vai do Big Bang aos dias de hoje, filmando o que acha necessário sem se prender à duração. Essa postura arranca constantemente bocejos do público que está acostumado a filmes “mastigados”. Isso não significa que a compreensão seja complexa, mas necessita de uma entrega de quem assiste. O entendimento da obra é particular. O quebra-cabeça é montado com as próprias experiências e reflexões.

Em A Árvore da Vida há economia proposital de diálogo, já que a experiência de quem assiste deve ser subjetiva. No começo do filme há uma sequência sobre a criação do mundo que dura quase vinte minutos e merece ser contemplada. O filme lembra muito a maneira poética de certas sequências filmadas por Kubrick em 2001 – Uma Odisséia no Espaço. Algumas cenas são exageradamente longas e poderiam ter sido editadas, mas no conjunto da obra, é fácil entender porque cada minuto se fez presente.

A Hora do Espanto

2011-10-05T23:29:00.002-03:00

Que a falta de criatividade na indústria cinematográfica está a cada dia mais visível não é novidade. Prova disso é a quantidade de adaptações e remakes lançados todas as semanas, como é o caso de A Hora do Espanto, adaptação de um filme do ano de 1985. O problema dessa moda é que as produções parecem ser requentadas, tendo sabor bastante insosso.

Ao menos A Hora do Espanto, versão 2011, não traz vampiros bonzinhos que brilham no escuro e são sensíveis. Pelo contrário, o vilão do filme é um vampiro mal, sedutor, violento e que realmente quer sangue. É um herdeiro direto de Drácula, e não um genérico açucarado. Por sorte honra o original, apesar de alguns deslizes.

O diretor Craig Gillespie foi inteligente ao respeitar o legado do anterior, que continua acumulando fãs, mas não consegue unir terror e humor com a mesma destreza. A história foi modernizada para poder ser reconhecida como cotidiana, apesar de mostrar um vampiro como vizinho. O protagonista é mais descolado, vivem em Las Vegas, o bullying está presente no roteiro, e Peter Vincent não é mais um ator decadente e sim um ilusionista. De resto, tentam realmente manter a idéia original.

Na trama Charlie é um ex-nerd que renega o passado para conquistar a menina mais popular do colégio. Quando um dos seus amigos de infância quer convencê-lo de que o vizinho é um vampiro ele não acredita, mas pouco a pouco passa a dar credibilidade a essa idéia e faz de tudo para proteger a mãe e a namorada do vampiro em pele de cordeiro... e que cordeiro!

Os acontecimentos sucedem rápido demais, o que parece certo atropelo do roteiro e torna a história superficial. Não se consegue criar empatia pelos personagens justamente porque não há muito tempo para serem construídos e saírem da superficialidade. Colin Farell, por exemplo, mostra-se charmoso e sexy no personagem frio que aparenta eterno tédio, mas não tem tempo para trabalhar a fundo todas essas características. De qualquer maneira, supera o antecessor, interpretado por Chris Sarandon, que faz participação nesse remake como o motorista que se envolve num acidente com o vampiro e o carro de Charlie.

Tenho dúvidas quanto à nova versão agradar aos fãs do original, mas o novo filme serve como entretenimento sem cenas de susto ou clima de terror, porque quando você pensa que chegará o clímax, o filme acaba. O longa consegue criar o clima, mas não consegue executá-lo para que gere a tensão esperada nesse gênero.

A nova versão de A Hora do Espanto com certeza irá envelhecer porque não há potencial para se tornar um clássico. Pelo menos o longa não entrou na onda vampiresca de mordedores bonitinhos e bobinhos, e mostra os sugadores como criatura das trevas, o que não significa que o cinema já não esteja saturado de vampiros.

A bicharada faz a festa nas telonas do cinema!

2011-09-28T16:40:00.002-03:00

Animais e cinema sempre fizeram uma parceria de muito sucesso. Não importa a idade ou o gênero de preferência, é realmente impossível não se render aos bichinhos que invadem as telonas.

Seja para fazer rir ou chorar, mostrando doçura, bagunça, desobediência ou fidelidade, os animais fazem história. Feliz de quem idealizou cães falantes, gatos aventureiros, baleias amigas, guaxinins curiosos ou porquinhos inteligentes, para levar o público à loucura. Quando esses animais são os protagonistas, podemos ter certeza de que será diversão na certa, mesmo que acompanhada de muitas lágrimas também, já que não há melhores atores para conseguir tocar o nosso coração apenas com um olhar.

Veja a lista com grandes filmes que revelaram animais marcantes da história do cinema.

A Incrível Jornada (Homeward Bound: The Incredible Journey, 1993)

O filme traz o cachorrinho Chance, o sábio cão Shadow e a charmosa gatinha Sassy atravessando uma floresta para voltar para casa e reencontrar seus donos, já que se perderam durante a viagem de férias da família. Nessa aventura eles precisam se ajudar, então as brigas que antes eram comuns, são substituídas por companheirismo. É uma história sobre coragem e amizade que, com certeza, vai divertir e amolecer corações. Uma frase marcante do longa: "Gatos se gabam, cachorros se babam ".

As Aventuras de Chatran (The Adventures Milo and Otis, 1988)

É a história um gatinho atentado que vive brincando com seus irmãos e com o cachorro Pusk, mas ao se esconder em uma caixa, acaba caindo no rio e é levado pela correnteza. Tem início a jornada de Chatran com inúmeros perigos da floresta, como cobras, ursos, quedas d’água e a descoberta de um mundo novo, enquanto Pusk está a sua procura. O filme é inquietante porque a câmera tem a mesma curiosidade dos animais e consegue transmitir as singularidades de cada momento inesperado pelos fofíssimos atores. É um filme bastante real e Chatran é um gatinho irresistível.

Lembranças de outra Vida (Fluke, 1995)

O filme é triste e bastante comovente. Traz Thomas Johnson, um homem arrogante e obcecado por trabalho que morre em um acidente de carro e volta à vida no corpo de um lindo cachorrinho chamado Fluke. Com flashs de memória, ele tenta proteger seu filho e mulher do homem que causou a sua morte, e também tenta mostrar quem realmente é... ou costumava ser. O filme mostra que a vida deve ser valorizada, independente da forma como se tem de vivê-la e que é importante seguir em frente.

Marley & Eu (Marley & Me, 2008)

Este cão da raça labrador é o mais novo integrante do time de protagonistas caninos no cinema. O filme é baseado em fatos reais e adaptado do livro de mesmo nome escrito por John Grogan. Um jovem casal se muda para a Califórnia e, com uma gravidez perdida, a mulher fica deprimida e o marido lhe dá um cãozinho para fazer companhia. Mal sabiam que o estabanado amiguinho, chamado Marley, lhes causaria muitas confusões, mas também, lhes ensinaria o real significado de amizade e carinho, sem esperar nada em troca. Todas as pessoas que tem ou tiveram um bichinho, com certeza vão se reconhecer no filme e se emocionar muito com a história da vida real.

Free Willy ( Free Willy, 1993)

O filme traz um garoto de 12 anos que, ao saber que a orca, Willie, será sacrificada, faz de tudo para libertá-La no aquário em que vive e levá-La ao mar. A história de amizade é contada de uma forma bastante bonita, em que uma orca assassina se mostra sensível e carinhosa, sabendo muito bem o sentido da amizade e proteção. O filme ainda conta com mais duas sequências, mas que não superam o original.

Benji (Benji, 1974)

Benji é um cãozinho vira-lata que não fala e nem ouvimos seus pensamentos, o que não significa que não seja extremamente inteligente. Ele é um verdadeiro herói com características bastante humanas. Seu primeiro filme é de 1974, quando ajuda a resgatar duas crianças de um sequestro. Foram nove filmes (para o cinema e televisão) de 1974 a 2004, sempre com a premissa desse cãozinho vira-lata que sofre muito, mas sempre consegue salvar o dia e voltar para o seu dono. Descobriu o porque de esse nome ser tão famoso quanto “Rex”?

Entrevista com a atriz Silvia Lourenço

2011-09-27T19:31:00.002-03:00

Silvia Lourenço é uma atriz que aceita desafios e é reconhecida por isso. Sua estréia foi marcada pela personagem principal do filme de Roberto Moreira, chamado Contra Todos. O trabalho lhe rendeu vários prêmios, entre eles o de Melhor Atriz no Festival do Rio daquele ano. A carreira de sucesso estava apenas nascendo.

Silvia é o tipo de atriz que se compromete física e emocionalmente com o personagem, como foi o caso da drogada que interpretou ao lado de Selton Mello em O Cheiro do Ralo. Consegue transmitir dor, alegria, angustia e medo pelo olhar, se envolvendo profundamente na construção de um personagem a ponto de não se limitar às palavras.

Mais um passo de sucesso foi a colaboração com o roteiro de Quanto Dura o Amor? no qual também atuou e recebeu diversos elogios da crítica e do público. É sobre tudo isso que Silvia Lourenço contou ao Às Moscas.

Você fez uma participação em Bicho de Sete Cabeças que nem entrou na montagem final. Isso te desmotivou por ter sido a primeira vez em que pisavam em um set de filmagens?

O fato das minhas sequências terem caído na montagem do Bicho de 7 cabeças me chateou um pouco, sim. Mas por ser a primeira vez e eu ainda não entender bem como funcionava o processo de produção e realização de um filme. No entanto, hoje eu sei que isso é perfeitamente normal e não me desmotivaria, de forma alguma.

Em Contra Todos você teve o primeiro papel de destaque e que lhe rendeu diversos prêmios. Você imaginava toda essa repercussão positiva logo no início? Te assustou?

Eu nunca imaginei nada, nem conseguia imaginar o filme na telona e todo mundo vendo, muito menos prêmios e tudo mais. Foi um momento muito especial da minha vida. Uma descoberta mesmo. Um marco. Foi ali que eu percebi o quanto gostaria de fazer cinema, de entender melhor como a mágica funcionava. E esse filme me trouxe essa chance.

Em o Cheiro do Ralo é implícito que sua personagem seja viciada, mas em momento algum isso é verbalizado. Foi difícil transmitir essa característica baseada muito mais na sua expressividade do que na fala?

O maior desafio do Cheiro do Ralo foi exatamente esse. Eu emagreci 10 quilos para compor a Junkie, justamente porque eu tinha que mostrar o vício, a abstinência fisicamente e na voz, nos tiques, no olhar. Foi um desafio delicioso, mas passei fome feito uma condenada. Se valeu muito a pena? E como! Adoro esse trabalho!

Em Quanto Dura o Amor? você colaborou com o roteiro. É um processo completamente diferente do de atriz na construção dos personagens?

Colaboração de roteiro faz com que você tenha uma relação mais distanciada com o filme, com a trama mesmo. Você vê tudo mais globalmente, tenta entender a melhor forma de contar aquela história em todos os seus detalhes. Na composição de um personagem que eu estou interpretando a coisa é totalmente focada nas características particulares dele, como ele se relaciona com o mundo e com os outros personagens. O processo é mais instintivo também, menos cerebral...

Por ser um trabalho com Roberto Moreira, quem já havia te dirigido em Contra Todos, sentiu-se mais a vontade para enveredar também nessa nova função de roteirista?

Na verdade, o que possibilitou a minha colaboração como roteirista ao lado do Roberto [Moreira] foi o fato de ele ter dado carta branca para as minhas improvisações no Contra Todos. Eu tinha um prazer imenso em construir os diálogos a partir da estrutura apresentada no roteiro, e a gente trabalhou muito bem junto. Daí foi natural querer sentar, desenvolver um argumento, depois uma escaleta, até começar a escrever o roteiro em si.

O fato de ter se envolvido com o roteiro ajudou na construção do olhar sobre a Marina?

Não ajudou muito, não. Num certo momento eu, inclusive, me distanciei da função de roteirista e passei só a me dedicar à atuação. Olhava aquele roteiro e a personagem da Marina como se eu não conhecesse nada daquilo. Era o melhor a fazer.

Você já fez inúmeras cenas intensas psicologicamente e fisicamente. Como se prepara para elas?

O preparo exigido para cada filme é muito específico, há personagens mais calcados no físico, no músculo e na respiração mesmo. E tem os mais mentais, delicados, ou sonhadores, nos quais a abordagem é mais abrangente. Busco sempre referências que me alimentem de várias formas: músicas, filmes, livros, quadros, tudo que possa ajudar a me conectar com o universo do personagem. Isso é o mais importante.

Como lida com a nudez no cinema?

Malhando [risos] Brincadeira. Acho que a nudez tem de realmente ajudar a contar a história, não pode ser gratuita, decorativa. O fato é que sempre fui extremamente respeitada no set, pela equipe e pelos meus colegas, talvez por isso não tenha tanto pudor em mostrar o corpo, mas é sempre um pouquinho embaraçoso, mas nada demais...

As pessoas ainda pesam que o cinema nacional se resume a sexo, drogas e palavrões?

Acho que o cinema nacional está conquistando seu espaço, mesmo que seja um tipo de cinema mais identificado com a linguagem televisiva, com atores conhecidos do grande público. As pessoas estão menos preconceituosas e isso é ótimo, mas ainda há um longo caminho a percorrer.

Premonição 5

2011-09-22T15:24:00.003-03:00

Premonição chega ao quinto episódio da franquia com o mesmo roteiro fraco e marcado pelas repetições dos antecessores, com exceção do uso marcante do 3D, a começar pela abertura bem pensada.

Como de costume, um grupo de jovens vai sofrer um grave acidente, mas um deles tem uma visão que impede a morte de alguns, inclusive a própria. Ainda que comemorem, a sorte não está do lado desses sobreviventes, e vão morrendo um a um, já que não podem enganar os planos da morte. O diferencial dessa sequência é o de que se matarem alguém, a morte os poupará até a data em que a pessoa assassinada fosse realmente morrer.

O roteiro é fraco e simplista, mas a tensão que provoca no espectador ao fazê-lo prever o que vai acontecer é instigante. Aliado a isso, as mortes são cada vez mais chocantes e sangrentas do que a anterior. Muito sangue em terceira dimensão, o que torna impossível assistir ao filme sem fechar os olhos ou virar o rosto em nenhum momento.

O elenco é superficial e não causa empatia. Atente-se a um rapaz que parece muito o Tom Cruise quando jovem, até mesmo o tom de voz. De qualquer forma, sabemos que em uma possível continuação o elenco não vai se repetir mesmo. Mas a sacada mais legal do filme é a de ligá-lo ao primeiro Premonição de uma forma bastante criativa.

O filme é um espetáculo do absurdo e do exagero que pode divertir se não levado a sério ou comprado como um típico filme de terror. A sequência inicial do acidente em uma ponte tem uma qualidade técnica admirável. A ponte ruindo, os carros e as pessoas caindo, o barulho e os cortes rápidos causam tensão nos espectadores, aliado ao horror das mortes apresentadas. Mas terror, de fato, não há.

Premonição 5 pode não agradar aos fãs do original, principalmente pela falta de conteúdo, mas pode divertir pelas mortes na terceira dimensão. Não espere muito mais do que isso.

Texto originalmente publicado no jornal O Diário de Maringá

Planeta dos Macacos - A Origem

2011-09-22T15:21:00.002-03:00

Planeta dos Macacos – A Origem não é uma superprodução que explica a dominação símia na Terra, fazendo referência a obra original d 1968, Planeta dos Macacos. Com grandes efeitos visuais da Weta Digital, responsável por obras como Avatar e a trilogia O Senhor dos Anéis, o estúdio aposta na técnica para atrair o público e esquece muito do roteiro e dos aspectos reflexivos abordados pelo primeiro. É bom ir ao cinema sem fazer comparações para não se decepcionar.

1968 foi um ano marcante para o cinema, não apenas pelo longa que traz macacos como protagonistas, mas também por 2001: Uma Odisseia no Espaço e O Bebê de Rosemary. O grande diferencial é que anteriormente havia um roteiro consistente e que conquistava pela originalidade e não apenas pelo grande apelo visual. Planeta dos Macacos da década de 1960 explorava questões sociais, políticas, científicas e teológicas de forma bastante consistente. Impossível não se imaginar naquela realidade e se sentir de fato um animal. Retratou uma relação de poder inimaginável e chocou pela nova ordem social imposta. Além disso, o filme se consagrou como dono de um dos melhores finais da história do cinema.

Com o longa de 2011, a série Planeta dos Macacos conta com seis filmes, mas apenas o primeiro é realmente marcante, os outros são um sucessão de erros. O mais recente mostra como os macacos se tornaram inteligentes para que fosse possível a dominação do planeta. Apesar da tecnologia, tornou-se simplista e cansativo.

Nele, James Franco vive o cientista Will, em constante procura de uma cura para o Mal de Alzheimer, que acomete pai. Ele acaba descobrindo uma espécie de vacina que ajuda na recuperação da doença, mas vê tudo fracassar quando a cobaia, uma macaca apelidada de “Olhos Brilhantes” (em referência ao filme original), põe a pesquisa a perder em um ataque de fúria. Na tentativa de salvar o filhote da macaca, leva-o para casa e descobre que, talvez, sua pesquisa ainda não tenha terminado.

Então entra em cena o macaco Cesar, que se descobre super-desenvolvido graças à vacina da mãe e dá a Will a oportunidade de arrumar uma cura para seu pai (John Lithgow). O macaco extremamente inteligente atravessa uma série de conflitos, mas acaba levando um exercito de revoltados símios às ruas para não serem mais vistos como meras cobaias ou bichos de estimação. É aí que o filme explica a origem do que aconteceu no longa de 1968.

Planeta dos Macacos – A Origem mostra a selva de pedras de animais irracionais em constante competição. O filme questiona se a raça humana merece de fato ser a dominadora ou se não sabe lidar nem mesmo com os próprios problemas. Traz respostas que os longas antecessores não deram, entretanto, não convence. A melhor parte do filme é a cena da luta dos macacos contra os humanos na ponte. É espetacular a qualidade técnica, mas infelizmente se dá nos minutos finais e pode ser conferida praticamente na íntegra pelo trailer.

As atuações são fracas e a única que marca é a de Andy Serkis como o macaco Cesar, por meio da captura de movimentos. O ator já esteve na pele de outro símio, já que foi o King Kong na última refilmagem, e também interpretou Gollum na trilogia Senhor dos Anéis, ou seja, nenhuma novidade. Além de que os movimentos de Cesar não convencem, são rápidos demais até mesmo para um macaco com modificações genéticas.

O filme fala sobre o ideal de liberdade. Se os seres humanos prezam por isso, o que nos faz pensar que outras raças também não? Mostra muito a individualidade humana e o egocentrismo, além de deixar claro de que o homem é responsável por tudo o que faz. O diretor Rupert Wyat ainda que sugira todas essas discussões, traz um longa superficial ao espectador ir a fundo para tentar enxergar todas essas questões.

Planeta dos Macacos – A Origem não traz as melhorias tão esperadas pelos fãs da série como prelúdio do original, mas pode surpreender pela qualidade técnica. De qualquer forma, a metáfora humana para nos fazer refletir sobre a realidade social está lá, mas tem de procurar.

Trailer do novo filme de Matt Damon e Scarlett Johansson

2011-09-19T16:16:00.000-03:00

O primeiro trailer do filme We Bought a Zoo foi divulgado. Com Matt Damon (Agentes do Destino), Scarlett Johansson (Homem de Ferro 2), e Elle Fanning (Super 8) no elenco, essa comédia dramática conta a história de um pai que usa todas as economias para se mudar com a família para um zoológico que corre o risco de ser extinto.

A adaptação do livro de Benjamin Mee coube à Cameron Crowe (Quase Famosos), também diretor do longa, e Aline Brosh McKenna (Uma Manhã Gloriosa). A história é verídica e o zoológico verdadeiro se chama Dartmoor Zoological Park e fica no sudoeste da Inglaterra, mas no filme acontecerá nos Estados Unidos.

Sem estreia prevista no Brasil, o filme chega em terras americanas e britânicas no dia 23 de dezembro

Trailer de Os Muppets parodia filmes

2011-09-18T22:07:00.006-03:00

Para o lançamento de Os Muppets, a Disney está apresentando paródias engraçadíssimas de alguns filmes famosos. O primeiro trailer fazendo essa brincadeira foi com Se Beber não case! Parte 2, depois com Lanterna Verde, e agora é a vês do remake de Os Homens que Não Amavam as Mulheres, dirigido por David Finscher.

A equipe de marketing do estúdio está acertando em cheio e mostrando muita competência nessas cenas bastante inusitadas. O filme de Finscher, cujo título original é The Girl With The Dragon Tatoo ganhou o nome de The Pig With The Froggy Tatoo (A Porca com a tatuagem de sapo) e mostra algumas cenas inéditas de Os Muppets

Na trama, três fãs dos Muppets descobrem o plano do malvado Tex Richman de destruir o cinema dos bonecos para ter acesso ao petróleo que está no subsolo do terreno. Para frustrar a tentativa do vilão, o trio tenta reunir Caco, Miss Piggy, Gonzo, Fozzie e Animal, agora espalhados pelo país, para organizar um show beneficente e salvar o estúdio de cinema das garras do ganancioso Richman.

O filme deve chegar aos cinemas brasileiros em 13 de janeiro de 2012.

Enganados pelo cinema

2011-09-18T20:59:00.002-03:00

Nem sempre o título é fiel ao que vemos na telona. A culpa é de quem?

Quem nunca assistiu a um filme e foi completamente enganado pelo que o título sugeria? Nesse caso, nos perguntamos quem são os gênios criativos que traduzem o título para o português. Sim, porque só com muita criatividade para traduzir, por exemplo, Rabbit Hole em Reencontrando a Felicidade, enganando muitos espectadores, já que é um filme que fala sobre perdas de uma maneira bastante poética e intensa, mas que não há final feliz.

Antes de culpar os tradutores da legenda e da dublagem, saiba que quem “assassina” os títulos é o departamento de marketing das distribuidoras, sempre em busca de atrair o público, mesmo que enganando aqueles que “compram o filme pela capa”. Parece até que os responsáveis pela tradução não assistiram ao filme, NE? Para falar a verdade, eles não precisam, basta ler a sinopse original, decidir se a tradução será literal ou não, e ganhar a aprovação do departamento comercial e da diretoria.

Mais um exemplo dessa criatividade exagerada e completamente sem coerência é o filme Namorados Para Sempre, cujo título original é Blue Valentine, que seria algo como Dia dos Namorados Depressivo. Outro filme que fez bastante sucesso apesar da tradução equivocada foi Amnésia, primeiro porque o personagem diz várias vezes durante o filme que não tem amnésia, já que ele se lembra de determinada coisa e depois esquece novamente. O título original é Memento que se pode traduzir como Lembrança.

Pior ainda quando o filme ganha uma continuação e o título no Brasil fica como Meu primeiro amor 2. É realmente de chorar quando paramos para pensar no desrespeito com o público que adora a sétima arte. Mas isso não é de agora, uma das piores traduções já vistas é de Shane, que ganhou originalmente esse título por ser o nome de um dos personagens do filme, mas em português é conhecido como Os Brutos Também Amam.

The Sound Of Music é um título perfeito para um musical, já que a tradução literal seria O som da Música. Mas alguém da terra tupiniquim teve a idéia genial de fazer referência a personagem principal de uma maneira até mesmo duvidosa, e o filme ficou conhecido como A Noviça Rebelde. É, acho que já deu pra entender como os títulos podem realmente enganar o espectador, mas nem sempre a surpresa é agradável.

Entrevista com a jornalista Renata Boldrini

2011-09-18T19:46:00.002-03:00

Entrevista realizada em outubro de 2010.

Às 13h do dia 4 de outubro, a jornalista Renata Boldrini, uma das profissionais que mais entende de cinema no Brasil, atende ao telefone e pede, delicadamente, para que a entrevista seja duas horas depois. Estava no Festival de Cinema do Rio e havia conseguido a entrada para “Somewhere”, o novo filme da diretora Sofia Coppola, que ansiava assistir.

Duas horas depois, a reportagem liga novamente. Renata se mostra atenciosa e responde, afirmativamente, rindo, quando questionada sobre a qualidade do filme assistido. Diz ter gostado.

A jornalista tem experiência na área de cinema, seja na TV, rádio ou web. Cobriu festivais do Brasil e do mundo, como Cannes, Veneza, Toronto, Rio, Gramado, entre outros. Atinge cinéfilos de gostos distintos por utilizar linguagem objetiva e abusar do carisma não apenas com o público, como também com os entrevistados. Esses, por sinal, concederam diversas entrevistas exclusivas a ela. Entre eles: Harrison Ford, George Clooney, Brad Pitt, Angelina Jolie, Benicio Del Toro, e os nacionais, Patrícia Pillar, Fernanda Montenegro, além de outras personalidades.

Hoje, Renata Boldrini apresenta o programa “Cinerama”, diariamente na rádio Oi FM, no qual comenta sobre a arte cinematográfica com a propriedade de quem se interessa e se informa sobre o assunto.

A entrevista não foi longa, mas de inegável percepção quanto à paixão da entrevistada pela Sétima Arte.

Por que, como jornalista, você decidiu voltar seu trabalho à área do cinema?

Não foi um caminho natural. Na faculdade eu fazia algumas matérias sobre cinema, mas nada que me fizesse escolher essa área. Meu avô era dono de salas de cinema no Rio Grande do Sul, então eu sempre assisti a muitos filmes. Já era um universo familiar. Durante a faculdade eu soube de um teste para um programa de canal fechado, mas queriam um apresentador homem. Devem ter pensado: “você não sabe ler? O teste é para homem”. Fiz o teste. Fui aprovada, e comecei a trabalhar com cinema.

O mercado do cinema nacional mudou desde que você começou a falar sobre a área?

Evidente que sim. E vem mudando. Houve momentos muito bons nos anos 1960 e, depois, na década de 1980, momentos muito ruins com o Collor [Presidente Fernando Collor]. Em 1995 começou a se reestruturar. O cinema brasileiro está em um estágio de grande fortalecimento. Há reconhecimento internacional de novos cineastas, principalmente com a visibilidade nos diversos festivais de cinema pelo mundo. Acho que nós fazemos bonito lá fora.

Apesar de grandes filmes nacionais de sucesso, o público ainda é arredio às produções brasileiras?

Um pouco. Mas bem menos do que era. A mentalidade de que o cinema nacional é ruim foi perdendo espaço. Hoje, as pessoas vão ao cinema sabendo que podem assistir a produções brasileiras de enorme qualidade. Não é a toa que um filme como “Se eu Fosse Você”, conseguiu fazer tanto sucesso de bilheteria. Não há mais a procura apenas por blockbusters americanos como era antigamente.

Por que os veículos de comunicação que dão destaque ao cinema, não falam muito sobre produções estrangeiras que não sejam americanas?

Não é problema apenas da cultura brasileira. É mundial. Os Estados Unidos conseguiram impor um conteúdo que vende, e nós aprendemos a consumi-lo. As produções têm excelente qualidade, causam impactos e interesse. Mas hoje, vemos programas falando de cinema brasileiro, europeu, latino, porque é um mercado que vem crescendo muito também, sem ser tão dependente dos americanos.

Como conciliar um linguajar com um público super leigo e atrair também o cinéfilo intelectual seleto?

Procuro falar da forma mais coloquial possível. Sempre dei minha opinião crítica. Mas não sou crítica de cinema, sou jornalista de cinema. Sempre deixei isso bem claro. Procuro falar com propriedade, assisto a muitos filmes, leio muito. Quero fazer as pessoas gostarem de cinema de forma espontânea.O circuito alternativo cresce mesmo sem o apoio de grandes distribuidoras.

A que você atribui isso?

Tem uma massa de público crescente nessa área. Não só no cinema, mas na música e na arte em geral. Muito por conta da internet. A gente pode ir atrás do que gosta. Alugar, baixar de forma legal, descobrir coisas novas e que nem sempre será o que está na moda. O circuito independente está crescendo e vai se impor.

Há como classificar um filme em bom ou ruim sem aderir ao pedantismo dos críticos de cinema?

Ser bom ou ruim é relativo. Depende da vivência de cada um. A minha é diferente da sua. Meus parâmetros também. Se o que me toca, não te tocar, estamos vendo filmes diferentes. Ele [filme] pode estar sendo chato para você e maravilhoso para mim. É claro que observo a parte técnica, os efeitos, a direção de arte, mas não é só isso que conta.

Você é sócia da empresa “Contente Entretenimento”, e lançou um livro intitulado “Contente em ler cineastas: crônicas, contos e recordações”. Como surgiu a ideia do livro?

Abri há 10 meses, com duas sócias, uma empresa de conteúdo que trabalha no mercado de entretenimento e cultura. A ideia do livro foi a de ter a renda revertida ao Terceiro Setor. Com o volume 1 o “Instituto da Criança” foi escolhido para ser beneficiado. Serão cinco volumes. O primeiro escolhido foi cineastas, pelo fato de eu conhecer todos eles, e poder ligar pessoalmente e pedir o apoio. Juntamos a nata do cinema e todos foram bastante queridos e aceitaram participar do projeto. Temos Arnaldo Jabor, Daniel Filho, Bruno Barreto, José Padilha, Zelito Viana, e outros. Os próximos volumes serão: músicos, autores, atores e jornalistas. Já confirmamos músicos, como Lenine, Frejat, Sandy, Bebel Gilberto, Pitty, D2, Flausino.

Precisamos falar sobre o Kevin

2011-09-18T19:33:00.001-03:00

Se você, assim como eu, está ansioso para o lançamento da adaptação do livro de Lionel Shriver, chamado Precisamos falar sobre o Kevin, novos cartazes foram divulgados. Todo o clima do livro foi muito bem resumido no pôster.

O Rei Leão - 3D

2011-09-09T16:47:00.006-03:00

O Rei Leão, clássico incontestável da década de 1990 está de volta. A animação tradicional de maior sucesso da Walt Disney retornou ao cinema para um curto período de exibição como espécie de pré-lançamento do filme em blu-ray. Entretanto, há um diferencial nessa nova versão, já que foi convertida em 3D. Mas o longa de 1994 está lá, sem muitas mudanças, exceto por esse recurso tridimensional.

O medo dessa novidade é alto, mas O Rei Leão retorna às salas de cinema com todo o gostinho de infância, repleto de saudosismo e lembrança do que é ter sido criança há quase 20 anos. E ainda por cima, podemos rever os amigos Simba, Timão, Pumba, Nala, Mufasa e companhia.

A experiência de anos depois sentar na poltrona, colocar óculos 3D, e ter espectadores de todas as idades ao lado é diferente, mas quando Circle of Life surge em alto e bom som cantada por um coral africano saudando a chegada do herdeiro do rei, o coração realmente acelera e o sorriso se abre no mesmo instante. Somos novamente presenteados com uma cena magnífica e inesquecível independente da idade que possa ter.

A conversão do filme foi realizada para que a geração dos nativos digitais possa ter contato com esse clássico do cinema sem julgá-lo empobrecido antes mesmo de assistir. Uma pena que filmes convertidos a essa tecnologia não tenham o mesmo impacto das que foram filmadas com esse recurso, por isso algumas cenas não tem profundidade e personagens aparecem distorcidos, mas nada que prejudique o impacto e a emoção que O Rei Leão traz.

A animação foi inspirada em algumas obras como a peça Hamlet, de Shakespeare, no desenho Bambi, e na história bíblica de José e Moisés. Conta a história do leãozinho Simba, filho do rei Mufasa e da rainha Sarabi. O herdeiro do trono traz felicidade a muitos, mas também muita inveja, principalmente do tio Scar, que sempre sonhou ser rei. O malfeitor faz de tudo para alcançar o objetivo, armando a morte do irmão Mufasa e acusando Simba disso. O pequeno leão foge das Terras do Reino e se junta a dois outros seres descriminados, um javali com o nome de Pumba e um suricate chamado Timão. A filosofia do trio passa a ser Hakuna Matata, que significa sem preocupações, mas isso muda até Simba precisar assumir o lugar que lhe é de direito e salvar a todos que ama.

É fácil perceber que o filme é atemporal pela solidez de todos os conflitos apresentados. Trata de amizade, família, perda, honra e medo, compondo as mensagens repletas de moral comuns à Disney, mas não soam nada desnecessárias. A forma com que todos esses elementos são apresentados cria equilíbrio e identificação, por isso O Rei Leão é grandioso em todos os sentidos.

Impossível não refletir sobre nossas responsabilidades e escolhas. Afinal, é melhor esquecer o passado ou aprender com ele para conseguir enfrentar qualquer obstáculo? Mudanças podem ser difíceis, mas se acomodar e se esquecer de viver é bem pior. Fazendo reflexões profundas ou apenas apreciando a belíssima trilha e rindo com o humor dos personagens, vale muito a pena aproveitar cada segundo dessa viagem ao passado, e apresentá-La à nova geração.

E uma aposta. Duvido que grande parte da sala de cinema não cante grandes hits como: O que eu quero mais é ser Rei, Hakuna Matata e Essa noite o amor chegou e até conferir os créditos finais ao som de Elton John e seu clássico Can you feel The Love Tonight, e que você não fique com as canções na cabeça pelos próximos dias. Só não deixe de assistir.

Amor a toda prova

2011-09-04T17:13:00.005-03:00

Comédia é um gênero que ultimamente tem assustado aos mais exigentes que não se contentam com piadas de baixo calão e com situações exageradas e repetitivas. Fazer rir sem usar esses recursos é uma contribuição bastante nobre à sétima arte. E o filme Amor a Toda Prova se mostra como uma dessas raras exceções com capacidade de construir uma história bastante carismática.

Com uma trama simples e eficiente, Amor a Toda Prova não deixa arestas. O roteirista Dan Fogelman constrói algumas situações que se não fossem cômicas, seriam trágicas. Impossível não se identificar com algumas delas em várias fases da vida. Na medida em que o roteiro se desenvolve, os personagens vão se entrelaçando e ganhando força, fugindo dos meros estereótipos desse tipo de filme.

Amor a Toda Prova não é um filme que resista aos clichês, mas são tão bem defendidos pelo elenco composto por Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone e Marisa Tomei, que já justifica a ida ao cinema. Os personagens são cativantes e, por mais que o desenvolvimento do filme possa parecer forçado, consegue arrancar muitos risos e sorrisos.

O longa conta a história de Cal Weaver (Carell), que tem quarenta e poucos anos e leva uma vida aparentemente perfeita. Ele tem filhos, um bom emprego, e uma mulher linda com quem está junto desde a época do colégio. Isso muda quando a esposa Emily (Moore), assume que está tendo um caso com o colega de trabalho e pede o divórcio. A vida estável de Cal, rui. O mundo dos solteiros não é um ambiente em que se sinta confortável, não sabe nem mesmo como se aproximar de uma mulher. É quando entra em cena Jacob Palmer (Gosling), um solteiro convicto que com charme e carisma passa as noites seduzindo mulheres. Com pena de Cal, e ao melhor estilo guru do sexo, Jacob decide lhe ensinar a se portar.

Os personagens são cheios de defeito, ou seja, são pessoas reais, são nós mesmos. Essa identificação com os personagens, juntamente com a química do elenco são o grande trunfo do filme. Emma Stone, que interpreta Hannah, traz certa doçura, ingenuidade e leveza à personagem, mostrando-se como grande revelação em Hollywood. Marisa Tomei rouba a cena como a professora ex-alcoolatra que se envolve com Cal, e torna o personagem coadjuvante um grande destaque do longa. Ryan Gosling empresta todo o carisma e convence como um autêntico “pegador”. Carell prova que tem controle absoluto sobre sua atuação, equilibrando o lado cômico com o dramático de forma bastante talentosa.

A trama principal é a de Cal, mas as subtramas não perdem na qualidade do desenvolvimento. Enquanto assistimos, parece que há alguns buracos na narrativa, mas fique tranquilo que tudo vai sendo explicado de forma bastante segura. Todos os personagens têm realmente um porquê de nos serem apresentados, ninguém está solto na história.

É claro que o universo das comédias românticas está presente, como eu já citei. Mas o melhor é a forma com que os diretores lidam com isso, brincando com alguns momentos previsíveis. Em determinada cena, Cal é abandonado pela mulher após uma briga e começa a chover forte. Molhado, vendo o carro se distanciar, ele diz “que clichê”, quebrando qualquer barreira com o público. Outro ponto bastante positivo é o de não encontrarmos mocinhos e vilões, já que cada personagem ganha aprovação e reprovação do espectador ao longo da projeção.

Até mesmo o amante de Emily, interpretado por Kevin Bacon, não e usado como mero destruidor de lares. Ele está apaixonado e faz de tudo para conquistar esse amor. É mais um que corre atrás da felicidade, independente de onde ela esteja. O filme também mostra a paixão de um pré-adolescente pela babá de 17 anos. Poderia até ser a subtrama mais fraca, porém, é compensada pela graciosidade das interpretações e também por nos mostrar que não há porque ter vergonha de amar, independente da idade. Sim, mais um clichê que pode até não parecer, mas se faz necessário à trama e não é conduzido de forma caricata.

Glenn Ficarra, em seu primeiro trabalho na função, e John Requa (O Golpista do Ano) dividem a direção de Amor a Toda Prova de maneira bastante competente. Não perdem o ritmo em momento algum, unindo momentos cômicos, românticos e densos, sem perder a identidade e o equilíbrio. Conseguem tocar o coração de todos que já se apaixonaram. É impossível sair do cinema sem pensar em tudo o que já fez por amor, ou tudo o que seria capaz de fazer.

Super 8

2011-08-21T17:36:00.005-03:00

Quando Super 8 começou a ser divulgado, chamou a atenção pela forma com que o roteiro foi apresentado: uma criatura misteriosa capturada pelas lentes de um grupo de amigos. Seria parecido com Atividade Paranormal, ou será que teria o ponto de vista de Cloverfield? Com o primeiro teaser e, posteriormente o trailer, passou-se a visualizá-lo um pouco diferente, já que a estória se passa em uma cidade fictícia do final da década de 1970, na qual após o acidente de um trem, é tomada pelos militares com a intenção esconder supostas experiências com alienígenas. Mistério desvendado, a campanha de marketing se voltou a uma ficção científica envolvendo aliens.

Com essa premissa o interesse do público já havia sido despertado, ainda mais com a união de dois nomes de peso do cinema, J.J. Abrams e Steven Spielberg. O primeiro na direção e o segundo na produção do filme que mais promete do que cumpre. Como pode ter dado errado um longa que vem com toda essa estratégia de atrair os espectadores? Simplesmente pelo fato de apresentar um filme completamente diferente do realizado afim de explorá-lo na bilheteria. Super 8 está longe de ser uma ficção científica e próximo de uma obra saudosista que traz inúmeras referências a filmes dos anos de 1970 e 1980. É uma clara homenagem à Spielberg.

O trabalho de J.J. Abrams absorve completamente o clima de filmes como Contatos Imediatos do Terceiro Grau, E.T. e Os Goonies. Acompanha um grupo de pré-adolescentes envolvidos no projeto de um filme de zumbis sem a intenção de embarcar numa aventura extraordinária repleta de teorias da conspiração, mas é o que acaba acontecendo. Enquanto filmam em uma estação ferroviária, presenciam um desastre que parece ter envolvimento com o governo e que oculta informações sobre algo ou alguém misterioso. Logo a cidade começa a ser atacada e os jovens tentam descobrir o porquê, mas não são levados a sério por ninguém.

Além desses pontos em comum com os filmes já citados, para maior aproximação do público as cenas dramáticas envolvem a perda de mãe, ausência do pai e primeiro amor, mas trata tudo isso de maneira superficial como um enorme clichê que sempre dá certo, mas dessa vez, a fórmula ficou extremamente repetitiva. Entretanto, a primeira parte do filme, envolvendo apenas a relação dos adolescentes, é o que gera os melhores momentos. A dinâmica entre os atores é real na tela, seja nas discussões, conversas ou provocações, gerando grande expectativa até que o foco muda e a perseguição pelo tal alienígena se torna mais relevante. Quando o espectador está realmente envolvido, parece que aquela história termina e dá lugar a outra, quebrando completamente o ritmo.

A sequência mais interessante para quem espera cenas empolgantes é a do acidente de trem, apesar de não haver lógica naquele exagero todo. A então sub-história das crianças produzindo o filme caseiro e envolvidas pelos problemas e questionamentos da idade é o momento alto. Quando o alienígena se faz presente e vemos como ele é, o pouco mistério apresentado durante todo o filme se esvai. A criatura é ridícula e o contexto pela sua presença é inexplicável. A motivação pela captura dos seres humanos e dos cachorros é tampouco resolvida.

As atuações merecem destaque apenas pelas crianças, porque os adultos estão vexatórios. Elle Fanning (irmã de Dakota Fanning) surpreende por saber dosar a emoção e convencer nos momentos certos. Os outros atores juvenis também estão na medida correta para os personagens.

O desenrolar da trama é realmente patético. Mesmo proporcionando uma volta nostálgica à infância dos que tem mais de 25 anos, não é nada eficiente. A resolução dos conflitos parentais é tão ridícula que realmente não entendo como pode ter saído da cabeça de Abrams tamanha falta de sensibilidade. Os créditos finais são a parte mais “memorável” do longa. Não é pelo fato de ter acabado o aglomerado de referências e a falta de identidade, mas é quando podemos assistir ao filme realizado pelos amigos. Estranho quando o que mais marca acompanha o “The End”, não?

Os Smurfs

2011-08-16T16:58:00.007-03:00

Lá lá lá lá lá láá vamos smurfar ... é a música que, com certeza, não sairá da sua cabeça mesmo que não tenha nascido na “era de ouro” do desenho Os Smurfs (ao menos a música é de criaturinhas fofas e não de ...pôneis). É claro que a memória pode ser traiçoeira, por isso defendo que algumas lembranças deveriam ser intocáveis, como é o caso do filme trash Scooby Doo, que levado às telonas por Raja Gosnell, mesmo diretor do longa Os Smurfs, foi totalmente dispensável e passou longe da dinâmica do desenho.

Os Smurfs tem dividido opiniões, mas acredito que não podemos limitá-lo apenas à memória afetiva, já que nem tudo que gostávamos há alguns anos, continuamos gostando hoje. O primeiro longa dos personagens criados em 1952 pelo artista belga Peyo, não criou expectativas apenas aos adultos nostálgicos, mas também aos pequenos que nunca haviam ouvido falar nas criaturas azuis do tamanho de três maçãs. Na sessão em que assisti, muitas crianças estavam animadas e gargalhando bastante.

O filme tem um roteiro bastante simples. Começa com o Smurf Narrador nos apresentando a floresta em que vivem felizes, num mundo paralelo ao nosso. Trabalham, cantam e são bastante unidos, mas vivem aterrorizados pelo malvado Galgamel e o seu gato Cruel. Quando são atacados pelo vilão, Papai Smurf, Smurfete, Gênio, Desastrado, Arrojado e Ranzinza, fogem e acabam caindo em um portal mágico e parando em Nova York.

No nosso mundo eles são protegidos por um casal prestes a ter um bebê, Patrick (Neil Patrick Harris) e Grace (Jayma Mays). Ele é o gerente de marketing de uma empresa de cosméticos dirigida por Odile (Sofia Vergara), e precisa criar uma campanha incrível para não ser demitido. Nesse tempo, Galgamel e Cruel também estão em Nova Iorque à procura dos Smurfs, mas diferente do desenho, ele quer os pequenos para ganhar poder a partir dos azuizinhos.

Mesmo com todas aquelas licenças criativas e lições de moral já esperadas em filmes do gênero, o roteiro é bem resolvido, além de os Smurfs serem muito bem construídos em computação gráfica. A mistura entre animação e atores reais não é nenhuma novidade e, confesso que a premissa me lembrou muitos aos filmes Alvin e os Esquilos e Encantada, mas diferentemente desses, Os Smurfs transmite uma proximidade mais real, além de serem extremamente fofos.

O personagem Galgamel é interpretado por Hank Azaria de forma brilhante. O ator está irreconhecível, porém, mais engraçado do que assustador. De qualquer forma, parece ter realmente saído do desenho para a telona e rouba a cena. Outro destaque é o gato Cruel, que também por meio da computação gráfica é responsável pelos momentos mais engraçados do filme. Todos os personagens originais do desenho, sem exceção, conquistam pela beleza e carisma, diferente dos personagens “reais” que são apagados pela competência de Azaria. Sofia Vergara aparece pouco, mas não deixa de mostrar o péssimo trabalho, extremamente caricato. Harris realmente tenta conquistar o público, mas não consegue convencer, e Jayma Mays é necessária apenas em alguns momentos bonitinhos, mas apenas porque contracena com a Smurfete e com o Desastrado. Uma prova de que se o roteiro acontecesse apenas na floresta, talvez teria funcionado melhor.

Os Smurfs é realizado sobre uma fórmula que sempre dá certo. É um desenho infantil repleto de clichês sobre família e amizade. Mas o fato é que dá certo e o resultado final vale a pena. É muito bonitinho e vai conquistar novos fãs. Só espero que os nostálgicos estejam abertos às mudanças para não se decepcionarem. De qualquer maneira, é um filme que eu “smurfo” recomendo.

Um filme sérvio

2011-08-05T16:35:00.010-03:00

Não pretendo indicar esse filme a absolutamente ninguém. Assisti pela curiosidade em ver (sim, de forma ilegal) ao filme que o Ministério da Justiça suspendeu. Estou na ditadura para decidirem por mim o que posso ou não assistir? Provavelmente, se o longa chegasse aos cinemas sem essa polêmica toda, eu nem me daria ao trabalho de pagar o ingresso. Passaria totalmente despercebido pela grande maioria das pessoas, afinal, quantos filmes Sérvios você já viu em circuito nacional?

Questiono-me sempre sobre o limite em que o cineasta pode chegar. Não é apenas Um filme Sérvio que traz cenas incômodas, bizarras e de extremo mau gosto. Holocausto Cannibal, por exemplo, causou muita polêmica e, apesar de muitos o considerarem artístico, eu o condeno veementemente por sacrificar animais de verdade nas cenas, além de conter torturas e desmembramentos. É um filme que não consegui, aliás, me recusei a assistir até o final.

Irreversível também me incomodou muito, mas ao contrário dos já citados, é bem realizado. Provavelmente foi o filme em que mais me senti levando um soco no estômago. A cena de estupro em plano aberto e com duração de aproximadamente 9 minutos é tão verossímil que choca. Mas a protagonista, Mônica Belucci, está perfeita e nos faz entender o porquê de toda a trama. Não são cenas de violência gratuita jogadas em uma sequência que tentam chamar de roteiro, pelo contrário.

Mas voltando ao foco inicial, Um filme Sérvio, primeiro longa a ser censurado após o fim da ditadura, já que o último havia sido Je Vous Salue Marie (1985), de Jean-Luc Godard, é doentio. Não consigo pensar em uma palavra que o defina melhor. Como cinéfila, me sinto envergonhada por existir uma bizarrice que ultrapassa os limites do tolerável.

O filme conta a história de Milos, ex-ator pornô que vive com a mulher e filho pequeno. Ele aceita o convite para trabalhar em um filme misterioso, que supostamente seria um pornô artístico (?) e lhe renderia muitos mais dinheiro do que já havia ganhado. Eis que se depara com um projeto envolvendo tortura e sexo com crianças. Ao tentar abandonar o trabalho, se vê refém das loucuras do produtor dessa indústria pornográfica. A sucessão dos acontecimentos se dá pelo fato de Milos estar drogado e fora de si, até que descobre o que realmente protagonizou e mergulha no lado obscuro da degradação humana.

O principal objetivo do diretor Srdjan Spasojevic é o de provocar o público. Entendo que a violência tenha de acontecer, mas sob quais justificativas? O cineasta diz que as cenas explícitas são uma metáfora sobre a Sérvia do pós-guerra, mas a verdade é que essa mensagem – ou qualquer outra, para os devidos efeitos – não existe. O longa é desprovido de sentido porque não possui uma história. As cenas de sexo e violência apenas se sucedem durante 90 minutos e não amarram nenhum roteiro.

O filme até poderia funcionar se o repudio que causa fosse diante do que as cenas representam e não delas em si. Qualquer pretensão político-discursiva que possa ter havido se esvai diante dessa limitação de olhar do diretor, já que o choque pelo choque jamais construiria um bom filme.

Um filme Sérvio foi acusado de retratar pedofilia e necrofilia, quando na verdade, apenas sugere. Aliás, a distribuidora divulgou fotos provando que nenhuma criança foi submetida a gravar cenas em que apareçam sendo abusadas sexualmente. Foram utilizados bonecos e truques de edição.

De qualquer maneira, caso o que te mova a assistir a um filme não seja a curiosidade mórbida de ver cenas deploráveis, passe longe de Um filme Sérvio. Acredite, essa obra de horror não vai acrescentar nada, mas a escolha tem de ser sua.

Capitão América: o primeiro vingador

2011-07-31T16:27:00.004-03:00

A adaptação de um dos heróis mais patrióticos dos quadrinhos para o cinema nunca me atraiu muito. Talvez esse ufanismo tenha sido a maior dificuldade do diretor Joe Johnston em levar Capitão América às telonas. O herói dos quadrinhos, criado em 1941, tem a missão de quebrar fronteiras e sair do universo americano para ganhar a empatia do público, principalmente para o filme que está por vir, já que Capitão América: o primeiro vingador serve mais como trailer de um grande investimento do estúdio, a adaptação de Os Vingadores, que reúne pela primeira vez, Capitão América, Homem de Ferro, Thor, Viúva Negra, Gavião Arqueiro e Hulk.

O roteiro escrito por Christopher Markus e Stephen McFeely - que adaptaram As Crônicas de Nárnia - é de fácil digestão, simples e nada inovador. Inicia-se nos dias de hoje com os destroços congelados de uma nave e, quando o escudo do herói é encontrado, voltamos ao período da Segunda Guerra Mundial e nos deparamos com Steve Rogers, interpretado por Chris Evans. O rapaz tenta de todas as formas se alistar no exército, mas pela série de problemas físicos, não consegue. Além disso, Rogers é mirrado e baixinho, o oposto dos soldados escolhidos.

Eis que surge o sempre incrível, Stanley Tucci, como o cientista que resolve dar uma chance ao rapaz e transformá-lo em “supersoldado” por meio de um soro que já caiu em mãos erradas e gerou o grande vilão, Caveira Vermelha. Rogers se torna o Capitão América, um ícone nacional que ganha milhares de fãs e é utilizado para estimular o alistamento e gerar lucros, até decidir usar seus novos “poderes” para salvar o mundo, ou melhor, os Estados Unidos.

É comum nas primeiras incursões de personagens dos quadrinhos, principalmente os não muito conhecidos, haver essa apresentação que acaba um pouco com o dinamismo da história, até que na segunda parte o ritmo melhora. Chris Evans talvez não tenha sido a melhor escolha para dar o carisma e maturidade ao Capitão América, mas consegue se sair bem nas cenas de lutas. O idealismo e coragem do personagem parece se potencializar não apenas pelo soro, mas com o uniforme extremamente ufanista que passa a vestir. Sim, nesse aspecto consegue ganhar disparado de outro personagem com essas características, o Superman da DC Comics.

A ambição comercial do longa não o impede de ter um roteiro extremamente simplista que não agrada aos mais exigentes, como conseguiram as produções Batman e Watchman. Capitão America apela para uma diversão sem profundidade que pode até ser lucrativa, mas que possivelmente terá prazo de validade, como é o caso do recente Thor.

Essa falta de imaginação, ou de vontade mesmo, rende um péssimo vilão. O Caveira Vermelha não consegue ser salvo nem pelo seu interprete, o talentoso Hugo Weaving. O personagem é canastrão e nada ameaçador, além de não ter um objetivo claro, o que leva o ator ao exagero para se fazer entender como mau caráter. O personagem de Tommy Lee Jones é o mais eficiente, mostrando segurança e dominando os diálogos mais divertidos. O personagem é sério e não serve exatamente como alívio cômico, mas o talento do ator o torna um coadjuvante notável.

Não, não me esqueci do par romântico do herói. Se bem que a personagem não é nada marcante, então não seria um crime de minha parte. A linda Hayley Atwell não é nada carismática e serve apenas como desculpa para o herói ter alguém para quem voltar. Apesar de que na primeira parte do filme o melhor amigo cumpre muito bem essa função.

Capitão América também apresenta inúmeras falhas nas sequências de ação. O 3D que deveria colaborar para dar ritmo às cenas é extremamente descartável. Talvez tenha sido a pior utilização desse recurso até o momento. O que mais causa realismo ao longa é o design de produção e a fotografia utilizada, que nos remete de fato à década de 40.

O filme é burocrático e feito na medida para as bilheterias americanas ao redor do mundo. Falta ousadia nos diálogos, nas atuações e na direção. Definitivamente a intenção é passar longe de uma criação clássica do gênero. É divertido? Lembro-me de ter dado alguns sorrisos, mas para fazer rir, também não serve.

Às Moscas

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Os Smurfs

Um filme sérvio

Capitão América: o primeiro vingador

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